Lazarillo de Tormes versión 2.0

 2.0

Lázaro de Tormes nació en el ospital de Tormes, de ahí su nombre. Oriundo de bollaca colombia. Su padre trabajaba en una idro elecrica en la ribera del río. Una vez acusaron a su padre de robar luz, por lo cual fue multado y obligado a servirle a un campesino que combatía contra los contrabandistas y su vida acabó en la guerra con el esmad.

La madre de Lázaro queda viuda y feliz se muda a la ciudad a trabajar de chef. Lázaro pasó a tener un padrastro y un hermanito moreno al principio le tenía miedo al padrastro por ser negro pero con el tiempo fue queriéndolo porque llevaba juguetes, un xbox y un play4 en el invierno.

Se descubre que el padrastro robaba todas las cosas que llevaba a la casa. Al negro lo metieron preso y la madre callo en quiebra y tubo que vender tintos tintos. Prohibieron que la madre de lazaro vaya a visitarlo a la cárcel; después de un tiempo la madre de lazaro consiguio trabajo en otro lugar en el que Lázaro también tubo que trababajar.

Un día un ciego le pide a la madre de Lázaro que él sea su mozo y le promete que lo iba a

Por lo tanto Lázaro empezó a trabajar y estudiar a la ves los pocos días, luego de aber terminado sus estudios básicos entro a la universidad y se esforzar aun mas para ser un profesional y sacar a su madre de la pobreza,el era un chico muy trabajador y estudioso pero por su gran motivación su madre. El camino era incierto, pero se hubiera estado condenado a pasar toda su vida entre los surcos y de la pobreza y la desidia.pasaron los años y lazaro ya se convirtió en todo un profesional,

luego el través de una amiga familiar consiguió un 'palancazo" para que el entonces ministro de Agricultura, Pedro Castro le diera una cita y, obviamente, un puesto que le permitiera trabajar para darle a su madre. La reunión se cumple y Castro le dice al joven lazaro con toda la confianza del caso: "Te cuento que no sé qué tenga para tí, déjame a ver que encuentro,'. Mira unos papeles, indaga con otras dependencias y responde: "Sólo tengo un puesto para ti: lazaro aceptó pero aclara que el cargo de embajador era una gabela académica que le reportaría a la postre grandes beneficios. "Como embajador en países bajos .

lazaro acepta y emprende su camino directo al éxito.

anos mas tarde lazaro cumple sus sueños y metas y se convierte en un hombre muy reconocido por todos ya no es lázaro hoy en día se hace llamar Dr.Lazaro un chico que paso muchos pesares para ser un gran hombre.

EL LAZARILLO DE TORMES OBRA DE TEATRO:

Lazarillo: Ante todo, que a mí me llaman Lázaro de Tormes, hijo de Tomé González y de Antona Pérez, naturales de Tejares, aldea de Salamanca. Mi nacimiento fue al lado del río Tormes, de ahí mi sobrenombre. Siendo yo niño de ocho años, mi padre murió en una batalla contra los moros. Mi viuda madre, como sin marido y sin abrigo se viese determinó arrimarse a los buenos. Así conoció a Zaide y vino a darme un hermano negrito muy bonito.

NARRADOR: lázaro tubo un terrible destino ya q murió su padre y su madre lo abandono y es cuidado por un ciego.

Ciego: Lázaro, llega el oído a este toro y oirás gran ruido dentro de él                                                                

Lazarillo:¿A ver? Lazarillo: o si se escucha súper música electronica. 

Ciego: Acércate más.    

Lazarillo: ¿Así? 

Ciego: Un poco más..: ¡Vamos muchacho!

Lazarillo: ¡¡¡¡ Aaayyyy!!!!                                                                                                                                                                  Lazarillo: guau no solo es un toro de piedra que se puede escuchar música sino también un portal a otra dimecion.                                                                                                   

Ciego: lo ves muchacho, nada de esta tierra es lo q pensaste.

Lazarillo:Verdad.                                                                                                                                      Lazarillo: (todo está lleno de secretos) 

Ciego: muchacho las cosas pasan por algo y no es por malo sino q es causa del destino.                    Ciego: mira a tu alrededor y mira atentamente.

NARRADOR: lázaro mira todo y se da de cuenta de tantas cosas locas y geniales que avían.               Pero de fondo lázaro escucha la voz de su madre.                                                                        

Madre de Lazarillo: hijo hijo despierta, lazaro despierta.                                                                 

NARRADOR: lázaro lentamente abre sus ojos y ve q todo lo ocurrido fue un simple sueño.

Lazarillo: Mama no creerás lo que soñé hoy.

NARRADOR: Lázaro con emoción le cuenta todo lo de su suelo y como todas las mañanas lazaro se fue a su escuela.

                                                          FIN     


El fantástico mundo del barroco:                                        

Barroco:

Las meninas (1656), de Diego Velázquez, Museo del Prado, Madrid.

El Barroco fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una nueva forma de concebir el arte (el «estilo barroco») y que, partiendo desde diferentes contextos histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro, etc. Se manifestó principalmente en la Europa occidental, aunque debido al colonialismo también se dio en numerosas colonias de las potencias europeas, principalmente en Latinoamérica. Cronológicamente, abarcó todo el siglo XVII y principios del XVIII, con mayor o menor prolongación en el tiempo dependiendo de cada país. Se suele situar entre el Manierismo y el Rococó, en una época caracterizada por fuertes disputas religiosas entre países católicos y protestantes, así como marcadas diferencias políticas entre los Estados absolutistas y los parlamentarios, donde una incipiente burguesía empezaba a poner los cimientos del capitalismo.​

Como estilo artístico, el Barroco surgió a principios del siglo XVII (según otros autores a finales del XVI) en Italia —período también conocido en este país como Seicento—, desde donde se extendió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX) el término «barroco» tuvo un sentido peyorativo, con el significado de recargado, engañoso, caprichoso, hasta que fue posteriormente revalorizado a finales del siglo XIX por Jacob Burckhardt y, en el XX, por Benedetto Croce y Eugeni d'Ors. Algunos historiadores dividen el Barroco en tres períodos: «primitivo» (1580-1630), «maduro» o «pleno» (1630-1680) y «tardío» (1680-1750).

Aunque se suele entender como un período artístico específico, estéticamente el término «barroco» también indica cualquier estilo artístico contrapuesto al clasicismo, concepto introducido por Heinrich Wölfflin en 1915. Así pues, el término «barroco» se puede emplear tanto como sustantivo como adjetivo. Según este planteamiento, cualquier estilo artístico atraviesa por tres fases: arcaica, clásica y barroca. Ejemplos de fases barrocas serían el arte helenístico, el arte gótico, el romanticismo o el modernismo.​

El arte se volvió más refinado y ornamentado, con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero adoptando formas más dinámicas y efectistas y un gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto. Se observa una preponderancia de la representación realista: en una época de penuria económica, el hombre se enfrenta de forma más cruda a la realidad. Por otro lado, a menudo esta cruda realidad se somete a la mentalidad de una época turbada y desengañada, lo que se manifiesta en una cierta distorsión de las formas, en efectos forzados y violentos, fuertes contrastes de luces y sombras y cierta tendencia de la exageración.

Teatro del Barroco:

El teatro del Barroco supuso un periodo de esplendor del teatro como género literario y como espectáculo de la época, que se extendió desde Italia al resto de Europa en el siglo XVII. Durante el Barroco se conformaron los teatros nacionales en Europa; la Commedia dell'Arte en Italia; el Siglo de Oro en España, donde destacaron autores como Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca; Shakespeare y el teatro isabelino o la comedia de la Restauración en Inglaterra; La Comédie-Française, Corneille, Molière y Racine en Francia. Se produjo un espectacular desarrollo de la escenografía, con la inclusión de música y pintura como elementos del espectáculo dramático que condujeron a una consolidación de la ópera, el ballet y la zarzuela. Los géneros dramáticos alcanzaron una formalización definitiva y la evolución de los antiguos corrales de comedias hasta las salas a la italiana propició la aparición de los edificios y salas teatrales contemporáneos.

Biografía:

Pedro Calderón

de la Barca nació en Madrid el 17 de enero de 1600 de familia hidalga. Se educó en el Colegio Imperial de los Jesuitas en Madrid, en el que se familiarizó con los poetas clásicos latinos. En 1614 se matricula en la Universidad de Alcalá y, el año siguiente, en Salamanca, donde estudió Cánones y Derecho hasta 1620.

Fue soldado en la juventud y sacerdote en la vejez, lo que era bastante habitual en la España de su tiempo. En sus años jóvenes su nombre aparece envuelto en varios incidentes violentos, como una acusación de homicidio y la violación de la clausura de un convento de monjas. De su vida militar existen pocas noticias, aunque consta que tomó parte en la campaña para sofocar la rebelión de Cataluña contra la Corona (1640).

Contrasta lo impulsivo y mundano de su juventud con lo reflexivo de su madurez. En 1642 pide su retiro como militar y entra al servicio del duque de Alba. Goza, desde entonces de un período de tranquilidad para la creación literaria. En 1651 recibe las órdenes sacerdotales y se traslada a Toledo como capellán de los Reyes Nuevos.

Vuelve en 1663 a Madrid por orden de Felipe IV que le nombra capellán de honor. Murió en Madrid el 25 de mayo de 1681.

Obra:

Calderón escribe sobre todo comedias y autos sacramentales. Hacia 1623 estrena sus primeras comedias y pronto, Felipe IV le convierte en dramaturgo oficial de la corte. Sin embargo, su momento de mayor esplendor empieza a partir de 1642, cuando se retira del ejército y entra al servicio del duque de Alba. En esta época goza de un período de tranquilidad para dedicarse a la creación literaria. Para las fiestas de palacio compone numerosas obras.

En el estilo de sus comedias se pueden apreciar dos tendencias: una que sigue más de cerca el teatro realista, nacional y costumbrista de Lope y su escuela, representada por las "comedias de capa y espada"; y otra, diferenciada del estilo anterior, más personal. Esta tendencia incluye las comedias más poéticas y simbólicas, con intensificación de los valores líricos y del contenido ideológico. En esta segunda línea los personajes adquieren mayor esquematización y dimensiones de símbolos universales.

Sus principales comedias se pueden clasificar en:

• Comedias de historia y leyenda española: El Alcalde de Zalamea
• Comedias de honor y de celos: El médico de su honra
• Comedias de capa y espada: La dama duende 
• Comedias filosóficas: La vida es sueño 
• Comedias fantásticas y mitológicas: La hija del aire

Técnica y Personajes:

Las aportaciones de Calderón lo diferencian, aún sin renunciar a ninguna de las innovaciones de Lope, claramente frente a este último en todos los campos - contenido, técnica arquitectónica, tratamiento de los personajes: En Calderón la novela adquiere un mayor rigor constructivo y profundidad conceptual; mediante la estilización, la tendencia al simbolismo y la jerarquización de los personajes, consigue creaciones de valor universal como Pedro Crespo o Segismundo.

En todas las obras los elementos confluyen hacia un eje central, representado por un motivo único y un personaje que destaca fuertemente sobre los demás. La obra se despoja de lo secundario y, cuando aparece una plural intriga dramática, está jerarquizada de tal modo que no rompe en nada la unidad que impone el eje central mencionado.

La profundidad conceptual se advierte especialmente por la preferencia de determinados temas filosóficos y religiosos. En cuanto a los personajes también se advierten diferencias entre Calderón y Lope. Mientras que Lope pone el acento sobre el asunto y la trama sin que haya un héroe que prevalezca sobre los demás personajes, en Calderón ocurre lo contrario: la jerarquización de la construcción arquitectónica hace que el énfasis se ponga en un héroe predominante: el tipo universal del teatro de Calderón. En cualquier caso, el que dichos héroes se conviertan en símbolos, no obsta a que en la obra tengan vida individualizada y caracteres humanos.

El estilo barroco de Calderón:

En Calderón confluyen muchos estilos barrocos porque crea cuando todas las tendencias barrocas han llegado a su pleno desarrollo. En él confluyen gongorismo y conceptismo y hace uso de innumerables figuras: correlaciones y paralelismos, contrastes, cuantiosas hipérboles en el lenguaje y en la conformación de los personajes, comparaciones, .

Sus personajes también muestran su barroquismo: dotados de ilimitada violencia, rasgos desmesurados, trazos muy marcados y se contraponen entre ellos.

Resumen del Argumento de La vida es sueño

Acto I

Entra Rosaura violentamente en escena pues se ha caído del caballo y ha rodado por un monte (hipógrifo violento). Rosaura va vestida de hombre y ha llegado a Polonia. Sale a continuación a escena el gracioso Clarín, acompañante de Rosaura en esta aventura. Ambos se dirigen, en aquel desierto montañoso, hacia un edificio que divisan. Se acercan a la puerta. Del oscuro interior sale un ruido de cadenas y una voz quejumbrosa.

Es la entrada en escena de Segismundo con su clásico "¡Ay mísero de mí, ay infelice!". Rosaura y Clarín dudan si huir o quedarse. Éste último piensa que la torre está encantada. Se aproximan, y a la luz ven a Segismundo, un hombre vestido de pieles y encadenado que profiere una declamación contra "los cielos" (Dios, en sentido figurado), pues quiere saber cuál fue su delito para recibir ese trato de prisionero y esas cadenas cuando cualquier animal salvaje goza de más libertad que él, aunque llega a la conclusión que el mayor delito del hombre es nacer. Rosaura, apiadada, se acerca a Segismundodiciéndole que su discurso le ha impresionado, pero la reacción de Segismundo es intentar matar a Rosaura, creyendo que es un hombre, por haberse enterado de sus flaquezas o debilidades. Al oirla hablar se enternece y la suelta.

Rosaura se dispone a contarle su historia cuando interrumple Clotaldo, del que Segismundo dice que es el alcaide de su prisión. Clotaldo está armado y acompañado de varios soldados a los que ordena tarparse el rostro. Clotaldo amenaza a Rosaura y Clarín diciéndoles que serán apresados porque han quebrantado la prohibición real de examinar a Segismundo (el prodigio que entre peñas yace). Clotaldo ordena a los soldados que venden los ojos a Rosaura y a Clarín, quienes deponen las armas. Rosaura le entrega la espada a Clotaldo y éste la reconoce, preguntándole a Rosauraquién se la dio. Ella dice que una mujer que le dijo que partiera a Polonia y la mostrase entre los nobles y principales, porque el que la reconociera la ampararía y cuidaría de ella. Clotaldo dice que esa espada se la dejó a Violante, una hermosa mujer, con el encargo que quien se la llevara de vuelta a Polonia sería hijo suyo. Rosaura es hija, pues, de Clotaldo, aunque éste todavía cree que es un hombre. Sin embargo en su soliloquio Clotaldo está dudando entre el honor y la lealtad al rey, que le obliga a matar a ese joven (Rosaura) o el amor de padre. Clotaldo decide llevar a los prisioneros ante el rey Basilioy que él decida su destino.

En un lugar del palacio seguidos de cortesanos, se encuentran Astolfo y Estrella. Astolfo cuenta que ambos, él y Estrella son los aspirantes al trono del ya anciano e inclinado a los estudios, rey Basilio. No son hijos suyos sino hijos de dos hermanas del rey. A continuación sale el rey Basilio y su séquito y pide que todos escuchen lo que tiene que decir: el monarca cuenta, en primer lugar, que es un estudioso avezado de las matemáticas y de la astrología y que es capaz de leer profecías en los astros. Había profetizado que Clorilene, su esposa nacería el día que diera a luz a Segismundo, el hijo de ambos, y así sucedió luego. Luego vio en los astros que Segismundo sería un príncipe cruel que convertiría el reino en una escuela de traiciones y de vicio, derrocándole del trono, por lo que a temprana edad decidió recluirlo en una torre de piedra abandonada en las montañas, donde sólo Clotaldo' le ve para atender sus necesidades más básicas de alimento y educarlo en ciencias y en los preceptos del Catolicismo.

Tres cosas hacen dudar al rey Basilio: la primera: él debe velar por su reino y por sus súbditos y por si era cierta la profecía, decidió encerrar a Segismundo; la segunda es que para impedir que Segismundo cometa los delitos que ha visto anunciados en los astros, es el propio Basilio quien está cometiendo delitos, privando a la corona del sucesor legítimo; la tercera es la curiosidad que tiene Basilio por descubrir si su vaticinio, el oráculo estaba equivocado y Segismundo, en contra de los que dicen los planetas, será un buen rey. Entonces la decisión de Basilio es poner en el trono a su hijo Segismundo: si es prudente, cuerdo y benigno lo nombrará heredero a la corona; si es cruel, soberbio y nefasto, lo devolverá a la cárcel. Todos aclaman su decisión y se van.

Entonces llegan hasta el rey Basilio, Clotaldo y sus prisioneros. Clotaldo le cuenta al rey que han visto a Segismundo y el lugar secreto donde lo ocultaban. El rey le dice a Clotaldo que no se preocupe, pues ya ha contado a sus súbditos el secreto del encierro de Segismundo y lo que piensa hacer con él. Entonces Clotaldo le dice a Rosaura y Clarín que son libres. Rosaura (aún disfrazada de muchacho) le cuenta a su padre, sin saber que es él, que ha venido a deshacer una afrenta contra Astolfo, duque de Moscovia, que se fue a Polonia a casarse con la infanta Estrella, mancillando el honor de su familia. Se van Rosaura y Clarín, dejando pensativo a Clotaldo.

Acto II

Comienza el acto II de La vida es sueño con un díalogo entre Clotaldo y el rey Basilio. Aquél le cuenta al monarca que han sacado a Segismundo de la prisión dándole un bebedizo para adormecerlo y lo han trasladado al cuarto del rey. Basilio le cuenta a Clotaldo que hace esto para demostrar y demostrarse que el hombre predomina a las estrellas, es decir que el libre albedrío rige al ser humano y no un destino fijo escrito en los astros.

Por el díalogo siguiente entre Clarín y Clotaldo sabemos que Rosaura ha desvelado su personalidad y confiado la satisfacción de su honor a Clotaldo. Clarín se queja de que nadie atiende sus necesidades ahora que Rosaura está en palacio como dama de Estrella, y amenaza a Clotaldo con contarlo todo si no tiene lo que desea. En ese momento sale a escena Segismundo, asombrado y despertando de su sueño, con unos criados que tratan de vestirlo. Clotaldo se acerca y le dice a Segismundo que es el príncipe heredero de Polonia.

Saliendo de su confusión, Segismundo muestra su rabia y violencia y quiere matar a Clotaldo. Clarín, se pone de parte de Segismundo ("yo soy un grande agradador de todos los Segismundos"). A continuación sale Astolfo y se presenta a Segismundo como primo suyo. Segismundo lo saludo con desgano. Luego sale a recibirlo Estrella y Segismundo parece prendado por su belleza (sólo sabe de las mujeres por los libros que ha leído y nunca ha visto a ninguna, dado su cautiverio); quiere tomar su mano pero un criado le quiere estorbar el gesto pues sabe que Astolfo se disgustaría si Segismundotuviera ese contacto con Estrella, equivalente prácticamente a un compromiso formal. Entonces Segismundo alza en brazos al criado y lo arroja por un balcón. Astolfo le recrimina la acción y Segismundo le amenaza con cortarle la cabeza. Se va Astolfo y sale Basilio a estrechar los brazos de su hijo pero al enterarse de que ha matado al criado, le repudia. Segismundo le dice al rey que no le importa no contar con su amor y le recrimina el trato cruel y el encierro recibido durante tantos años. Basilio le advierte que no sea tan soberbio y que sea más humilde ya que pudiera estar soñando lo que está viviendo en ese momento. Se va Basilio y hay un breve encuentro con Rosaura, que no se deja ver y se hace pasar por Estrella.

Clotaldo llega a advertirle a Segismundo que sea más humilde pero Segismundo saca la daga y trata de matarlo. Forcejea con Clotaldo hasta que llega Astolfo para protegerlo. Van a luchar pero llega el rey Basilio con Estrella y se detienen. Segismundo se va. Basilio dice que Segismundo dormirá y se desperatará de nuevo en su prisión. En un apartado Estrella rechaza a Astolfo, que se va desairado.

Estrella llama a su dama, Astrea, que resulta ser Rosaura. Estrella le dice a Astrea(Rosaura) que se casará con Astolfo, el cuál renunciará al retrato de una dama que lleva en el cuello: cuando llegue Astolfo éste le entregará a Astrea (Rosaura) ese retrato. Astolfo reconoce a Rosaura y ésta trata de hacerse con el retrato. Llega Estrella y mediante una estratagema, Rosaura logra quedarse con el retrato pues Estrella ve que la retratada es Rosaura, y despide airada a Astolfo. Mientras tanto el rey Basilio, acompañado de Clotaldo y unos criados devuelven a un Segismundo dormido a su prisión. Cuando despierta Clotaldo le hace creer que lo ha soñado todo desde que se quedó dormido. Cuando se queda solo se produce el más famoso soliloquio o monólogo de Segismundo en esta obra donde llega a la conclusión de que todo cuanto hace el hombre en su vida es sueño (incluso soñar), hasta que llega la muerte, que es el verdadero despertar.

FINAL TEATRAL:

Narrador :Rosaura se había cambiado de nombre como astrea y estaba trabajando con estrella y se encuentra cara a cara con astolfo.

Astolfo : ya basta Rosaura mia .

Rosaura:yo tuya villano?mientes

Estrella : astrea astolfo que es esto

Rosaura : si quieres saber lo que es ,yo señora,

Te lo dire.

Astolfo : ¿Qué pretendes?

Rosaura: contarle todo es un villano y grosero y no lo quiero.

Estrella: yo tampoco lo quiero

Astolfo :oye escucha mira 

¿Dónde como o de que suerte

Hoy a polonia as venido

A perderme y a perderme?

Narrador : astolfo termina con estrella ,luego el pueblo se entera que tenían un heredero.

Pueblo: quien es ese Segismundo

Es esta la torre en que esta

Echad la puerta en suelo

Entrad todos .

Pueblo : viva seguismundo viva .

Narrador :luego de la liberación de segismundo ,se arma un guerra entre seguismundo y el rey Basilio .

Basilio :¿hay mas infelis rey?

¿hay padre mas perseguido?

Clotaldo: ya tu ejercito vencido

Baja sin tino ni ley

Astolfo: los traidores vencedores quedan .

Clotaldo : huya señor

Basilio : para que

Astolfo :que intentas

Basilio :astolfo aparra

Narrador: el rey perdiendo se queda en la batalla donde seguismundo gana y captura al rey Basilio

Basilio :(arrodillado )

Perdóname hijo por los tantos años esa tétrica torre

Seguismundo : (lo para ) y el se arrodilla yo te perdono por haverme encerrado dos veces en esa prisión ,pasa como un sueño y quiero aprovechar el tiempo que dure contigo

Narrador : el rey y Segismundo se perdona y los dos reinan polonia

EL ROMANTICISMO:

El Romanticismo es un movimiento cultural que se originó en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Es considerado como el primer movimiento de cultura que cubrió el mapa completo de Europa.Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a que el Romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, así como a la vida y al hombre mismo, es que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla, e incluso dentro de una misma nación, se manifiestan distintas tendencias, proyectándose ello también en todas las artes.

Movimiento cultural y artístico que se desarrolló en Europa y América durante el siglo xix. "los caracteres generales del romanticismo son: subjetivismo, exaltación de la personalidad individual, oposición a las normas clásicas, valoración de la Edad Media y de las tradiciones nacionales"

Se desarrolló en la primera mitad del siglo XIX, extendiéndose desde Inglaterra y Alemania hasta llegar a otros países. Su vertiente literaria se fragmentaría posteriormente en diversas corrientes, como el parnasianismo, el simbolismo, el decadentismo o el prerrafaelismo, reunidas en la denominación general de posromanticismo, del cual derivó el llamado modernismo hispanoamericano. Tuvo fundamentales aportes en los campos de la literatura, la pintura y la música. Posteriormente, una de las corrientes vanguardistas del siglo XX, el surrealismo, llevó al extremo los postulados románticos de la exaltación del yo.

Etimología:

Si bien está clara la relación etimológica entre romántico y el término francés para novela roman, no toda la crítica se pone de acuerdo. En todo caso parece que la primera aparición documentada del término se debe a James Boswell a mediados del siglo XVIII, y aparece en forma adjetiva, esto es, romantic o romántico. En su libro de viaje de 1768 An Account of Corsica el término aparece cuatro veces: para calificar la vista de la ciudad de Corti desde el monasterio de los Franciscanos, para describir un agreste valle en el que se asentó la orden de la Iglesia griega de San Basilio, al nombrar el sonido de un instrumento de cuerda parecido a la cítara y en la mención al retiro de Jean-Jacques Rousseau en Ginebra.²​ Este término hace referencia a lo inefable, aquello que no se puede expresar con palabras. Así, en un principio, se entendería que un sentimiento romántico es aquel que requiere de un roman para ser expresado. El texto de Boswell se tradujo a varias lenguas, llegando a alcanzar especial fuerza en alemán, con la difusión de romantisch, en oposición a klassisch.

Según René Wellek el término sirvió en principio para denominar una forma genérica de pensar y sentir, sólo en 1819, con Friedrich Bouterwek se emplea Romantiker como denominación de la escuela literaria. La difusión del término es irregular por países; en 1815 en España podemos encontrar romancesco junto a romántico, estabilizándose el segundo ya en 1918.³​

Otro origen del término muy señalado es el que relaciona «romántico» con la expresión «in lingua romana» que alude a las lenguas romances distinguiéndolas de la antigüedad clásica representada por el latín. Se trataría por tanto de un giro hacia la lengua propia y vernácula como representante de la propia cultura. Igualmente surge con este término una oposición entre «romántico» y «clásico» en función de la lengua que prefirieran y, por añadidura, asociada también al gusto creador de unos y otros.⁴​

Características:

Saturno devorando a un hijo, una de las Pinturas negras de Goya, realizada durante el Trienio Liberal(1820-1823), y que, bajo una capa mitológica, alude a la famosa frase de Vergniaud poco antes de ser guillotinado: «La Revolución devora a sus propios hijos».

El Romanticismo es una reacción contra el espíritu racional y crítico de la Ilustración y el Clasicismo, y favorecía, ante todo:

• La conciencia del Yo como entidad autónoma y, frente a la universalidad de la razón dieciochesca, dotada de capacidades variables e individuales como la fantasía y el sentimiento.
• La primacía del Genio creador de un Universo propio, el poeta como demiurgo.
• Valoración de lo diferente frente a lo común, lo que lleva una fuerte tendencia nacionalista.
• El liberalismo frente al despotismo ilustrado.
• La originalidad frente a la tradición clasicista y la adecuación a los cánones. Cada hombre debe mostrar lo que le hace único.
• La creatividad frente a la imitación de lo antiguo hacia los dioses de Atenas.
• La nostalgia de paraísos perdidos (de la infancia o de una nación).⁵​
• La obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la obra perfecta, concluida y cerrada.

Es propio de este movimiento un gran aprecio de lo personal, un subjetivismo e individualismo absoluto, un culto al yo fundamental y al carácter nacional o Volksgeist, frente a la universalidad y sociabilidad de la Ilustración en el siglo XVIII; en ese sentido los héroes románticos son, con frecuencia, prototipos de rebeldía (Don Juan, el pirata, Prometeo) y los autores románticos quebrantan cualquier normativa o tradición cultural que ahogue su libertad, como por ejemplo las tres unidades aristotélicas (acción, tiempo y lugar) y la de estilo (mezclando prosa y verso y utilizando polimetría en el teatro), o revolucionando la métrica y volviendo a rimas más libres y populares como la asonante. Igualmente, una renovación de temas y ambientes, y, por contraste al Siglo de las Luces (Ilustración), prefieren los ambientes nocturnos y luctuosos, los lugares sórdidos y ruinosos (siniestrismo); venerando y buscando tanto las historias fantásticas como la superstición.

Un aspecto del influjo del nuevo espíritu romántico y su cultivo de lo diferencial es el auge que tomaron el estudio de la literatura popular (romances o baladas anónimas, cuentos tradicionales, coplas, refranes) y de las literaturas en lenguas regionales durante este periodo: la gaélica, la escocesa, la provenzal, la bretona, la catalana, la gallega, la vasca... Este auge de lo nacional y del nacionalismo fue una reacción a la cultura francesa del siglo xvii, de espíritu clásico y universalista, difundida por toda Europa mediante Napoleón.

El Romanticismo también renovó y enriqueció el limitado lenguaje y estilo del Neoclasicismo, dando entrada a lo exótico y lo extravagante, buscando nuevas combinaciones métricas y flexibilizando las antiguas o buscando en culturas bárbaras y exóticas o en la Edad Media, en vez de en Grecia o Roma, su inspiración.

Frente a la afirmación de lo racional, irrumpió la exaltación de lo instintivo y sentimental. «La belleza es verdad». También representó el deseo de libertad del individuo, de las pasiones y de los instintos que presenta el «yo», subjetivismo e imposición del sentimiento sobre la razón. En consonancia con lo anterior, y frente a los neoclásicos, se produjo una mayor valoración de todo lo relacionado con la Edad Media, frente a otras épocas históricas.

El estilo vital de los autores románticos despreciaba el materialismo burgués y preconizaba el amor libre y el liberalismo en política, aunque hubo también un Romanticismo reaccionario, representado por Chateaubriand, que preconizaba la vuelta a los valores cristianos de la Edad Media. En Alemania, la deriva reaccionaria, que incluía una invitación a regresar a la Edad Media, también se dejó sentir en la obra de algunos de sus máximos inspiradores teóricos, como los hermanos August Wilhelm y Friedrich Schlegel, aunque su paroxismo se encontraría en el opúsculo La cristiandad o Europa (1799) de Novalis, tal como prontamente advirtió el poeta post-romántico Heinrich Heine en La escuela romántica(1836). El idealismo extremo y exagerado que se buscaba en todo el Romanticismo encontraba con frecuencia un violento choque con la realidad miserable y materialista, lo que causaba con frecuencia que el romántico acabara con su propia vida mediante el suicidio. La mayoría de los románticos murieron jóvenes. Los románticos amaban la naturaleza frente a la civilización como símbolo de todo lo verdadero y genuino.

Lugares de reunión:

Los lugares donde se reunían los románticos eran muy diversos. Fuera de las redacciones de las revistas románticas, existían determinadas tertulias, como por ejemplo El Parnasillo en Madrid, o, en París, El Arsenal, del cual, si hemos de creer a Alphonse de Lamartine, «era la gloria Víctor Hugo y el encanto Charles Nodier» (Las Noches, de Alfred de Musset, precedida del estudio de dicho poeta por A. Lamartine. Madrid: Biblioteca Universal, 1898). En este cenáculo reuníanse entre otros Alfred de Musset, Alfred de Vigny, Louis Boulanger, Louis Deschamps, Emile y Antoine Sainte-Beuve, etc.

También los rusos tuvieron su cenáculo: la Sociedad del Arzamas.⁶​

Expresiones artísticas

Literatura del romanticismo:

Goethe en la campiña romana(1786), por Johann Heinrich Wilhelm Tischbein.

Artículo principal: Literatura del Romanticismo

En la prosa, incluso el género didáctico pareció renovarse con la aparición del cuadro o artículo de costumbres. La prevalencia del individuo hace que empiecen a ponerse de moda las autobiografías, como las Memorias de ultratumba de François René de Chateaubriand. También surgió el género de la novela histórica y la novela gótica o de terror, así como la leyenda, y se prestó atención a géneros medievales como la balada y el romance. Empiezan a escribirse novelas de aventuras y folletines o novelas por entregas.

El teatro fue el gran vehículo de comunicación de la expresión romántica, era el género más popular y a través de él se canalizaron sus anhelos de libertad y de sentimiento nacional.

La poesía trató de liberarse de las preceptivas neoclásicas, y prefirió cantar los aspectos marginados de las convenciones sociales.

De forma diferente a la Ilustración dieciochesca, que había destacado en los géneros didácticos, el Romanticismo sobresalió sobre todo en los géneros lírico y dramático; en este se crearon géneros nuevos como el melólogo o el drama romántico que mezcla prosa y verso y no respeta las unidades aristotélicas.

Romanticismo musical:

Artículo principal: Música del Romanticismo

Ludwig van Beethoven (1820), por Joseph Karl Stieler.

Comenzó en Alemania, partiendo de Beethoven y siendo seguido por Carl Maria von Weber en 1786 y Félix Mendelssohn. Es un estilo musical imaginativo y novelesco. Este movimiento afectó a todas las artes y se desarrolló sobre todo en Francia y Alemania.

La estética del Romanticismo se basa en el sentimiento y la emoción. En el Romanticismo se cree que la música "pinta" los sentimientos de una manera sobrehumana, que revela al hombre un reino desconocido que nada tiene que ver con el mundo de los sentimientos que le rodea.

El estilo romántico es el que desarrolla la música programática y el cromatismo de una forma predominante. Se da a lo largo de todo el siglo xix, aunque al principio del siglo xx se ingresa en el impresionismo.

Pintura romántica:

Artículo principal: Pintura romántica

El término romántico, fue adaptado a las artes plásticas a principios del siglo XIX. Podríamos diferenciar tres etapas del Romanticismo en la pintura:

Prerromanticismo: 1770-1820

Este período, aunque arranca con el Rococó, se desarrolla en paralelo con el Neoclasicismo; es por ello que, las primeras pinturas románticas muestran características de estos dos movimientos, aunque los temas a tratar sean de carácter romántico: la finalidad de estas pinturas es la representación de los sentimientos sobre la razón exaltando lo misterioso, representando así fantasmas o cementerios. Los pintores más conocidos de esta época son:

• Inglaterra: es uno de los países precursores del movimiento y, en cuanto a la pintura romántica inglesa, cabe destacar a Thomas Girtin y su contribución en la acuarela.
• Alemania: es otro de los países precursores del romanticismo y uno de los principales embajadores de la pintura romántica alemana es Caspar David Friedrich y su famosa pintura El caminante sobre el mar de nubes
• Francia: en cuanto a los pintores románticos franceses, podemos mencionar a Antoine-Jean Gros, padre del romanticismo francés.
• España: por último, dentro de los pintores españoles de la época, podemos hablar de Francisco de Goya, uno de los pintores más potentes y visionarios capaz de fabricar lienzos en diferentes técnicas.

Apogeo de la expresión romántica en pintura: 1820-1850

La libertad guiando al pueblo, de Delacroix, 1830, Museo del Louvre. Obra en la que el pintor canta a la Revolución de 1830.

Es el momento de mayor plenitud de la pintura romántica, la cual, junto con el inicio del nuevo siglo, tuvo nuevos cambios donde comenzaron a imponerse temas relacionados con la historia moderna y una nueva concepción del paisaje. En cuanto a los pintores de la época encontramos a:

• Francia: este país se convierte en el precursor del movimiento, dejando de lado a Inglaterra y Alemania, que, entre sus pintores, es necesario mencionar a Eugène Delacroix y su majestuosa obra La Libertad guiando al pueblo.
• Inglaterra: los pintores ingleses de esta época, donde encontramos a J. M. W. Turner o John Constable, se caracteriza por su paisajismo.
• Alemania: en Alemania se mezclaron el romanticismo y el realismo dando a conocer así a pintores como Carl Spitzweg.
• España: como en las primeros años del romanticismo, el pintor español de esta segunda etapa por excelencia es Goya.
• Otros países como Estados Unidos, Polonia y Rusia también tuvieron grandes artistas en esta etapa romántica como Thomas Cole, Aleksander Orłowski y Alexander Andreyevich Ivanov.

Posromanticismo: 1850-1870:

El Romanticismo empezó a decaer y, poco a poco, el manierismo fue introduciéndose no solo en las artes plásticas, sino en todas las expresiones artísticas. En esta época, cabe destacar a pintores como el español Eugenio Lucas Velázquez o el suizo Antoine Wiertz.

Los principales representantes escritores del romanticismo:

1- Jane Austen

(1775-1817) Llenas de comedia, romance, ingenio y sátira, las seis novelas de esta autora inglesa fueron también reflejo punzante de la situación social y territorial que vivía Inglaterra en su época.

Comenzó a escribir siendo muy joven, con el apoyo y promoción constantes de su familia y amigos. Su primera obra, Sense and Sensibility (1811) tardó diez años en ser publicada. Le siguió Pride and Prejudice dos años más tarde, la que según ella misma sería su obra preferida. Sus últimas dos obras serían publicadas tras su muerte a los 41 años.

Puedes saber más acerca de la autora leyéndote el artículo “Las 51 mejores frases de Jane Austen“.

De izquierda a derecha: William Blake, Charlotte Brontë y Emily Brontë

2- William Blake

(1757-1827) Este autor londinense es conocido por haber sido un poeta, pintor y pensador original y creativo, sin embargo su trabajo fue prácticamente ignorado mientras vivió. El tercero de seis hermanos, aseguraba haber sido visitado por ángeles brillantes en su infancia.

Diseñó una técnica de poesía visual que combinaba sus textos con ilustraciones de su propia autoría. Entre sus obras destacan El matrimonio del Cielo e Infierno y Cantares de inocencia.

En “Las 100 mejores frases de William Blake” podrás conocer aún mejor su obra.

3- Charlotte Brontë

(1816-1855) Autora reconocida por su pasional novela Jane Eyre (1847), publicó también poemas y tres novelas más. Nacida en Inglaterra, tercera de seis hermanos, tenía penas cinco años de edad cuando murió su madre.

Pasó parte de su vida dedicada a la enseñanza y su desenfrenado amor por el director de la escuela donde trabajaba inspiró sus novelas Villette y El Profesor.

4- Emily Brontë

(1818-1848) Su obra más reconocida fue Cumbres Borrascosas (1847), aunque también escribió más de doscientos poemas que fueron calificados por su hermana Charlotte como “de una musicalidad particularmente salvaje, melancólica y enaltecedora”.

Apoyada por su hermana, publicó una colección de poemas en 1846. Tras su muerte precoz a causa de la tuberculosis, una novela que dejó inconclusa fue destruida por Charlotte.

5- Elizabeth Barrett Browning 

(1806-1861) Una de las poetisas más elogiadas de su época. Nacida en Inglaterra, es más conocida por su obra Sonnets from the Portuguese, una colección de poemas de amor escritos para su esposo Robert Browning. Murió en Florencia, Italia.

De izquierda a derecha: Robert Burns, Lord Byron y Lewis Carroll

6- Robert Burns

(1759-1796) Nacido en Escocia, recibió una buena educación en matemáticas y literatura inglesa, aunque desde muy joven tuvo que prestar sus servicios en la granja familiar. Su obra Poems ,Chiefly in the Scottish Dialect fue publicada en 1786 y le dio fama.

7- Lord Byron

(1788-1824) Dedicado a la libertad de pensamiento y acción, anárquico en su postura política y moralidad personal, el poeta y aventurero inglés fue la personificación del héroe romántico.

Tras recorrer múltiples países mediterráneos, volvió a casa para publicar Childe Harold’s Pilgrimage (1812), que fue un éxito instantáneo. Fue Don Juan, publicado en 1819, su obra más reconocida.

8- Lewis Carroll

(1832-1898) El seudónimo usado por el matemático inglés Charles Lutwidge Dodgson, que utilizó por primera vez al publicar sus famosas novelas infantiles.

Su afición por la paradoja y el sinsentido así como su aprecio por la infancia lo llevó a escribir su novela más famosa, Alice’s Adventures in Wonderland en 1865 y su secuela,Through the Looking Glass and What Alice Found There en 1871.

9- Samuel Taylor Coleridge

 (1772-1834) Una de las figuras más emblemáticas y controvertidas del periodo romántico. Su carrera como poeta y literato se estableció tras publicar Lyrical Ballads en 1798. Su obra más conocida es The Rime of the Ancient Mariner.

De izquierda a derecha: Charles Dickens, George Eliot y Elizabeth Gaskell

10- Charles Dickens

(1812-1870) Autor de 15 novelas e incontables ensayos y cuentos, este célebre autor inglés promovió generosamente las carreras de otros novelistas en sus columnas semanales y se involucró en temas sociales. Se destacó por escribir sobre Londres y sus grotescos y cómicos personajes. Oliver Twist, Nicholas Nickleby, David Copperfield y Grandes Esperanzas están entre sus títulos más famosos.

Descubre con “Las 87 mejores frases de Charles Dickens” el potencial literario de este genio.

11- George Eliot

(1819-1880) Fue el seudónimo de la novelista Mary Ann Evans. Tras una infancia difícil, logró establecerse en Londres, donde se relacionó con el poeta George Henry Lewis, quien la motivó a escribir ficción. Su libro más famoso, Middlemarch, fue publicado en ocho episodios entre 1871 y 1872.

12- Elizabeth Gaskell

(1810-1865) Más conocida como la autora de Cranford y Norte y Sur, así como por haber sido la biógrafa de su amiga Charlotte Brontë. Sus obras más famosas fueron escritas en reacción a la industrialización de Manchester, donde pasó la mayor parte de su vida.

Tras la trágica muerte de su hijo pequeño en 1845, se refugió en la escritura y publicó de forma anónima Mary Barton, obra alabada por Charles Dickens.

13- Thomas Hardy

(1840-1928) Poeta y novelista, es quizá más célebre por sus poderosas novelas visuales, preocupadas por el inexorable destino humano. Se retiró de la arquitectura tras publicar Far From The Maddin Crowd en 1874. Entre 1874 y 1895 escribió más de una docena de novelas y compilaciones de cuentos.

De izquierda a derecha: John Keats, Christina Rossetti y Mary Shelley

14- John Keats

(1795-1821) El logro poético de Keats en tan solo seis años puede ser clasificado como asombroso. Sin embargo, durante su vida, los críticos estuvieron a punto de derrumbarlo.

Sus primeros poemas recibieron duras críticas, aunque en 1818, con Endymion, logró mayor éxito. La segunda mitad del siglo finalmente le trajo la fama, alabado por Lord Tennyson, es hoy uno de los poetas más citados y queridos del idioma inglés.

15- Christina Rossetti

(1830-1894) Su reputación como una poeta lírica que destacó por su estilo directo y cautivante ha crecido con los años. Goblin market, In The Bleak Midwinter y Rememberestán hoy entre los poemas ingleses más apreciados.

Aprendió a escribir poesía por imitación, experimentando con distintos estilos de verso. Murió a causa del cáncer en 1894 y su hermano William editó una colección casi completa de sus poemas, titulada Poetical Works en 1904.

16- Mary Shelley

(1797-1851) Autora de Frankenstein o El Moderno Prometeo, fue hija del filósofo radical William Godwin. A los 16 años huyó a Italia con el poeta Percy Bysshe Shelley, quien alabó la irresistible y salvaje sublimidad de sentimientos.

Ambos promovieron el trabajo literario del otro y se casaron en 1816. Frankenstein es considerado la primera obra de ciencia ficción. Estaba basado en la naturaleza destructiva del poder cuando se encuentra con la riqueza. Su mitología perdura hasta nuestros días.

17- Percy Bysshe Shelley

(1792-1822) Nacido en Sussex, Inglaterra, fue el heredero de la considerable fortuna de su abuelo así como una posición en el parlamento. Acudió al colegio Eton, donde comenzó a escribir poesía, y a la universidad de Oxford.

Su primera obra publicada fue la novela gótica Zastrozzi en 1810. Se casó con Mary Godwin, posteriormente llamada Mary Shelley. Durante los últimos años de su vida, produjo sus más notables obras incluyendo The Masque of Anarchy.

De izquierda a derecha: Robert L. Stevenson, Alfred Lord Tennyson y Anthony Trollope

18- Robert Louis Stevenson

(1850-1894) Este novelista, ensayista y poeta escocés es probablemente más famoso por su libro infantil La Isla del Tesoro. Educado como ingeniero y posteriormente como abogado, estuvo siempre inclinado hacia la escritura.

Publicó diversos ensayos y dramas. Su fama creció tras la publicación en 1883 de La Isla del Tesoro. Después escribió y publicó El extraño caso de Dr. Jekyll y Mr. Hyde en 1886.

19- Alfred Lord Tennyson

(1809-1892) Considerado el venerable maestro de la poesía victoriana, famoso por In Memoriam A.H.H., The Idylls of The King and Maud and Other Poems. El cuarto de 12 hijos, nacido en Lincoln en 1809, acudió a la Universidad Cambridge.

Sus primeras novelas recibieron venenosas críticas, lo que lo desilusionó al principio y luego lo hizo perfeccionar su técnica. Sus poemas fueron inspiración incluso de la realeza, ensalzados por la Reina Victoria, quien lo nombró Barón en 1883.

20- Anthony Trollope

(1815-1882): Uno de los autores más prolíficos del siglo XIX, sus trabajos incluyen las Crónicas de Barsetshire y The Way We Live Now. Su ilustración de la vida ordinaria avivada por el humor le ganaron el cariño de los lectores y le aseguraron una popularidad continua.

Su extensa producción es impresionante dado que al mismo tiempo mantuvo una exitosa carrera en el servicio postal.

Produjo en total 47 novelas, una autobiografía, dos obras de teatro, cuentos cortos, libros de viaje, artículos, ensayos y discursos. Orgulloso de su talento, presumió de siempre tener a mano una pluma y darse a la labor de la escritura lo mismo que hace un mecánico o un zapatero.

De izquierda a derecha: H.G. Wells, Oscar Wilde y William Wordsworth

21- H. G. Wells

(1866-1946) Aclamado como científico y profeta social, Herbert George Wells fue un novelista prolífico, famoso principalmente por sus obras de ciencia ficción pero también por su realismo cómico.

Sus estudios de zoología lo inspiraron a escribir ciencia ficción. La Máquina del Tiempo(1865) fue la primera de sus muy famosas obras y la pionera del género llamado “romance científico”.

Vivió para ver el fin de la segunda guerra mundial y su defensa de los derechos humanos tuvo una definitiva influencia en la conformación de la Organización de las Naciones Unidas.

22- Oscar Wilde

(1854-1900): Nacido en Dublín, Irlanda, fue un dramaturgo exuberante y chispeante, poeta y crítico. Fue un destacado proponente del estetismo, la controversial teoría sobre el arte. Publicó su novela El Retrato de Dorian Gray en 1890 y se enamoró del muy joven Lord Alfred Douglas.

Desde entonces vivió una doble vida, publicando comedias sociales de gran éxito, como El Marido Ideal y La importancia de llamarse Ernesto al mismo tiempo que pasaba su tiempo visitando burdeles masculinos.

Tras ser acusado de conductas indecentes, Wilde pasó dos años en prisión, donde escribió dos novelas que fueron publicadas tras su muerte: De Profundis y The Ballad of Reading Gaol. Arruinado económicamente, repudiado por la sociedad y con mala salud, pasó el resto de su vida en Europa. Murió en París el 30 de Noviembre de 1900, a los 46 años de edad.

Conoce las mejores frases y la obra de Oscar Wilde para conocer mejor al autor.

23- William Wordsworth

(1770-1850) Este poeta inglés, nacido en Cockermouth, se inspiró en los dramáticos paisajes de Lake District para escribir su poesía. Tras la muerte de sus padres, William y su hermana Dorothy se asentaron en West Country, donde conocieron al poeta Samuel Taylor Coleridge, con quien publicaría Lyrical Ballads en 1798.

Tras recibir el pago de una deuda a su padre, el poeta pudo casarse y establecerse. Continuó su labor poética, publicando The Excursion en 1814 y The river Duddon en 1820, aunque lo conservador de su trabajo en esta etapa molestó a sus amigos más radicales. Tras su muerte en 1850 se publicó su poema autobiográfico The Prelude, en el que trabajó desde 1798. 

BIOGRAFÍA DE PABLO NERUDA (RESUMEN)

Biografía resumida de Pablo Neruda

Su verdadero nombre fue Ricardo Neftalí Reyes Basoalto. Nació en Parral (Chile) el 12 de julio de 1904. Sus padres fueron José Reyes Morales (obrero ferroviario) y Rosa Basoalto (maestra de escuela). Quedó huérfano de madre a un mes de nacido. Desde los dos años vivió en Temuco, donde estudió la secundaria. Desde los 13 años escribió artículos periodísticos y poemas. A los 17 años adoptó el seudónimo de Pablo Neruda.

Desde 1921 vivió en Santiago y estudió pedagogía. En 1923, publicó Crepusculario, un poemario que le valió muchos elogios. Un año después publicó su famoso Veinte poemas de amor y una canción desesperada, de influencia modernista. Luego escribió algunas obras vanguardistas, como El habitante y su esperanza.

En 1927, inició su carrera diplomática sirviendo en varios países de Asia, Europa y América. En 1930 se casó con María Hagenaar, de quien se divorció en 1942. Durante la Guerra Civil Española (1936-1939), colaboró con los republicanos. En 1945, recibió el Premio Nacional de Literatura de Chile. El mismo año fue elegido senador por Tarapacá y se unió al Partido Comunista. Fue declarado opositor del presidente Gabriel González Videla y en 1949 marchó al exilio. Viajó por varios países como Miembro del Consejo Mundial de la Paz. En 1950, publicó en México Canto General, su mayor obra, donde incluyó su famoso poema Alturas de Machu Picchu.

En 1952, regresó a Chile y publica nuevos poemarios, como Estravagario en 1958. En 1969, fue nombrado miembro de la Academia Chilena de la Lengua. El mismo año, el presidente Salvador Allende lo nombró embajador en Francia. En 1971, ganó el Premio Nobel de Literatura. En 1973, cayó enfermo, renunció a la embajada y regresó a Chile.

Falleció en Santiago de Chile el 23 de setiembre de 1973, víctima del cáncer a la próstata. Recientemente (8-abril-2013), su cuerpo fue exhumado para verificar la causa de su muerte, pues muchos creían que recibió una inyección letal por orden del dictador Augusto Pinochet. Sin embargo, los resultados confirmaron que su muerte se debió al cáncer prostático.

#1 libro Confieso que he vivido

Confieso que he vivido es el libro autobiográfico de Neruda. En este texto se cuentan vivencias que dejaron una huella en la vida del autor: aventuras con mujeres, conversaciones con el Che Guevara, viajes a México, URSS y su experiencia con el opio en Tailandia. El autor describe los sucesos con gran nitidez, logrando una particular conexión con los lectores.

Resumen:

Confieso que he vivido

Publicadas en 1974, estas memorias del poeta chileno Pablo Neruda se dividen en doce cuadernos, cada uno de los cuales se refiere a importantes momentos de la vida del poeta. Toman la forma de un diario que, partiendo de las peregrinaciones de Neruda por todos los rincones de la tierra, describe su evolución poética y política. La obra trasciende las fronteras del memorialismo tradicional para constituir un gran fresco de la época contemporánea.

Aparecen, en el libro, los temas más queridos por el poeta: su país, su pueblo, la lucha por el socialismo, su vocación de intelectual acorde con la clase por la que lucha. Tienen enorme interés los numerosísimos retratos de poetas, literatos y artistas que Neruda conoció personalmente, de los cuales nos transmite imágenes a menudo inéditas; hombres como García Lorca y Hernández, Rafael Alberti y Siqueiros, Aragon y Eluard, Ehrenburg y Quasimodo, Fidel Castro y Che Guevara, para llegar al gallardo y trágico retrato del presidente Allende.

Pero el auténtico protagonista de este libro es Chile, la patria del poeta, el lugar de la infancia fabulosa en contacto con la naturaleza salvaje y helada del sur, de la difícil juventud en Santiago y Valparaíso, y de las desventuras de una peligrosa militancia política; el lugar de los primeros y difíciles éxitos literarios en un ambiente cultural todavía sometido al de las grandes capitales europeas.

Chile sigue siendo el centro de sus pensamientos cuando Neruda, empujado por la necesidad, es enviado en misión diplomática a países lejanos, desde Birmania a Ceilán, de Buenos Aires a Barcelona poco antes de la guerra civil española. España supuso una etapa fundamental en la vida del poeta, y el amor por aquella cultura que él sentía tan cercana a la suya, por aquel pueblo en lucha, por sus poetas, le inspiraría obras más maduras y comprometidas, inclinadas decididamente hacia la militancia política comunista.

Pero Chile sigue siendo la base de sus regresos y de sus partidas, de sus ascensos y de sus caídas. Pasan las imágenes de México y Perú, de aquella América única y total que sería objeto del Canto general, al tiempo que profundiza en su contenido político. Llegan las elecciones a senador, con los votos de los obreros y los campesinos; llegan las persecuciones, la clandestinidad y el exilio. Pero mientras tanto, la fama de Neruda ha superado las fronteras de su país y comienzan a llegarle reconocimientos internacionales, desde el premio Lenin de la paz hasta el premio Nobel de literatura.

Regresa definitivamente a su patria y se aísla voluntariamente en su casa de Isla Negra, antes de disponerse de nuevo a la batalla política. Candidato a la presidencia por su partido en 1970, se une a la alegría popular por la victoria de Salvador Allende y participa en la entusiasta experiencia de la Unidad Popular. Las últimas líneas del diario, escritas bajo la pesadilla de los trágicos acontecimientos de septiembre de 1973 (el golpe de Estado militar, el asesinato de Salvador Allende, el final de la libertad) están fechadas el 13 de septiembre de 1973, diez días antes de su muerte.

FEDERICO GARCIA LORCA, UN GENIO PARA EL TEATRO ESPAÑOL

El más famoso autor de su tiempo. Autor y director teatral, ensayista, dibujante, compositor, folclorista, pianista, conferenciante, adaptador de textos clásicos o dramaturgista y, ocasionalmente, publicista. Es, sin duda ninguna, el autor español más conocido después de Cervantes. Su aportación a la poesía y a la dramaturgia españolas son determinantes. Se ha afirmado que sus mejores poemas están en la línea de mayor altura expresiva de la poesía española de todos los tiempos. Se le coloca al lado de Juan de la Cruz y de Quevedo. Supo crear un nuevo tono para la poesía popular, para la gran tradición del Romancero. Sus poemas pre-lógicos o surrealistas como Poeta en Nueva York se cuentan entre las grandes aportaciones del surrealismo. Su contribución al teatro es enorme, casi titánica para haber sido lograda en tan escaso tiempo. Consiguió un verdadero teatro poético, en las antípodas del que era oficial y considerado como de alta calidad en los años veinte y treinta. Partiendo de hechos reales, absolutamente comprobables —algunos incluso fueron noticias de prensa—, consiguió trascender, transmutar estos hechos en materia poética sin perder la virulencia denunciatoria que el solo hecho, contado como noticia, poseía. Dio una amplia resonancia al mundo del teatro de títeres, de tan larga y rica tradición en Andalucía. Logró el primer teatro surrealista español, un teatro que va paralelo a las mejores aportaciones plásticas de Salvador Dalí, Maruja Mallo, Remedios Varo y al cine de Buñuel-Dali. Con todo, sesenta años después de asesinado, Lorca sigue siendo aún un rico, inaccesible y desconocido continente por descubrir.

Vida, asesinato y dimensión universal de Lorca:

Federico García Lorca perteneció a la generación del 27. Partiendo de la mejor poesía clásica española, de la música popular, del romancero y del teatro de Lope de Vega, creó una muy particular dimensión del teatro poético sin escapar nunca a la denuncia de la terrible realidad en que se hallaba inmerso su pueblo. El 5 de junio de 1898 nació Federico García Lorca en el pueblo de Fuente Vaqueros, provincia de Granada. Fueron sus padres Federico García Rodríguez, hacendado de tierras de secano y de regadío, y Vicenta Lorca Romero, maestra.

Primeros pasos:  

Los diez primeros años de su vida transcurrieron entre Fuente . Vaqueros y Asquerosa (actualmente se llama Valderrubio). Frecuentó la escuela de su pueblo natal, de la que fue director, Antonio Rodríguez Espinosa. Cuando en 1908, éste se trasladó a Almería, Federico le siguió como alumno y allí pasó algunos meses. Empezó sus estudios de música. Estudió música hasta 1916. En ese año murió su maestro Antonio Segura Mesa, que fue discípulo de Verdi. Federico era un pianista muy delicado y sensible a juzgar por los escasos documentos fonográficos que se conservan. Se dice que entre los planes de sus padres estaba enviarlo a estudiar a París. En 1914, había empezado sus estudios en la Facultad de Filosofía y Letras y en la de Derecho en la Universidad de Granada. Cinco años después, ya definitivamente abandonada su voluntad de estudiar música, se traslada a Madrid, instalándose en la Residencia de Estudiantes. En la Resi, como habitualmente la llamaban, conoció a Salvador Dali, Pepín Bello, Luis Buñuel, Emilio Prados, José Moreno Villa, José Antonio Rubio Sagristán, Ricardo Orueta... Se matriculó en 1920 en la Facultad de Filosofía y Letras. Frecuentó muchas tertulias literarias.

El primer estreno:

Estrenó ese mismo año un texto delicioso, demasiado avanzado para su época, El maleficio de la mariposa, dirigida por el gran director y autor Gregorio Martínez Siena. Según cuentan algunos testigos, se le organizó ya previamente un pateo, que fue exagerado, descomunal, muy cruel. Federico soportó con gran entereza esta dura experiencia. Es importante señalar que todos los estrenos de Federico obtuvieron grandes reticencias y cuando se produjo el éxito, fue después de duras luchas y todo tipo de dificultades.

Cadaqués y la familia Dalí:

El 1925, fue a Cadaqués a pasar el verano invitado por la familia de Salvador Dalí. Conoció a Ana María Dali con quien tuvo una muy especial relación. Descubrió el Mediterráneo y se fascinó con su luz y con la particular atmósfera de Cadaqués: "Este mar es mi mar, Ana María". Entabló relación con los movimientos vanguardistas de Cataluña. Leyó a la familia Dalí, Mariana Pineda y, un año después, publicó Oda a Salvador Dalí en la Revista de Occidente. Federico, que en 1926 había dado una memorable conferencia en el 62 Ateneo de Granada titulada "La imagen poética de don Luis de Góngora", participó un año después en el homenaje a Góngora que tuvo lugar en Sevilla. Allí se ha convenido que se inició la llamada Generación del 27, una de las más importantes en la historia cultural española, una generación que para algunos estudiosos, constituye un segundo Siglo de Oro, al completar y potenciar a la generación anterior, la del 98. En 1929 viajó a Nueva York, un poco escapando de los represivos ambientes del teatro profesional y de las relaciones, a menudo hostiles, contra su aportación poética y teatral. Necesitaba hacer un alto en su imparable camino de éxitos y conocer otras maneras de entender el teatro y la vida. En una carta del 8 de agosto, el poeta escribió a su hermano Francisco. No tenía dinero. Su padre le mandaba cien dólares mensuales y él pidió que le cobrara y girara: "El dinero de mis libros para tener para ir a los teatros, cosa que me interesa enormemente, pues aquí el teatro es magnífico y yo espero sacar partido de él para mis cosas". En otra carta del mes siguiente, dijo que esperaba el dinero de la Revista de Occidente (sin duda, los de Romancero gitano): "pero ese dinero lo guardaré para ir al teatro, que aquí es muy bueno y a mí me interesa en extremo". Pasó, luego, una corta temporada en Eden Milis, con Philip H. Cummings, uno de sus mejores amigos.

"Todo lo que existe ahora en España está muerto":

Sin duda ninguna, Lorca asistió a las espléndidas revistas negras que se representaban en Harlem. Alli había teatros muy cerca de Columbia. Eran. el Lafayette, el Lincoln y el Alhambra. En una carta a sus padres les comentó que "...la revista negra va substituyendo a la blanca... Cuando un actor blanco quiere absorber la atención del público se pinta de negro. Al Jolson. La gran carcajada del norteamericano —una carcajada desganada, violenta, casi ibérica— es arrancada siempre por un negro". También vio teatro chino. Todo hace pensar que fue el de Sun Sai Gai en el Gran Street, al sur de Manhattan. Es probable que pudiera ver también a Mei-Lang-Fang, el más grande actor chino de este siglo, el creador que al asistir al mítico Congreso de Moscú, en 1936, obtuvo la admiración de Erwin Piscator, Bertolt Brecht, Konstantin Stanislavski, Lillian Hellman, Joseph Losey y, ayudaría a los primeros a encontrar los principios de la teoría de la llamada distanciación o efecto de alienación, base del teatro épico y del teatro anti-ilusionista. Todas estas importantes experiencias le llevaron a escribir: "Hay que pensar en el teatro del porvenir. Todo lo que existe ahora en España está muerto. O se cambia el teatro de raíz o se acaba para siempre. No hay otra solución". En Nueva York y, más tarde, en Cuba, Lorca restañó las heridas que como dice Jan Gibson le produjeron las "amargas experiencias con Salvador Dalí y, luego, su rotura con Emilio Aladrén, así como el hecho de tener que llevar, a consecuencia de su homosexualidad, una vida doble". Recordemos que, antes de que Lorca viajara a Nueva York, se produjo el distanciamiento, físico y afectivo de Dalí y que Aladrén entró en relación con Elonora Dove, la inglesa con quien se casó en 1931. Lorca llegó a Estados Unidos sintiéndose, además, traicionado por Dalí y Buñuel, quienes a su juicio quisieron satirizarlo en Un chien andalou, película que no había podido ver todavía, pero de la cual tenía precisas noticias y cuyo guión pudo leer pronto en diversas revistas. Esta desazón cuaja en varios poemas del ciclo neoyorkino —especialmente, tal vez, en Fábula y rueda de los tres amigos— y, con mucha probabilidad, formó el sustrato del que surgió El público. Es importante tener en cuenta estos hechos y lo que comentó Juan Larrea en México. Fue el primero que se atrevió a hablar de la homosexualidad de Lorca en relación a un gran poema, Poeta en Nueva York, de la grave crisis que sufrió antes de ir y durante su estancia en Nueva York. Esta cuestión ha sido olvidada incluso en la actualidad. J. Alfaya se escandalizó en la mítica revista La Calle, en 1980, de que Ángel del Río no mencionara para nada el tema homosexual a propósito de Poeta en Nueva York. En 1988, en una excelente emisión de TVE, coetáneos, amigos y colaboradores de Lorca parecían querer negarlo o, como mínimo, olvidarlo. En La Habana se serenó. Reencontró allí su Andalucía, pero en otra dimensión. Los mismos colores, la misma arquitectura, una idéntica posición ante la vida. Allí conoció a los personalísimos hermanos, Loynaz: Dulce María, la gran poetisa galardonada con el Premio Cervantes en 1992, Flor y Carlos Manuel. Con Flor tuvo una relación de gran ternura, parecida a la que sintió por Ana María Dalí. Ella negó años más tarde que estuvieran enamorados, arguyendo: "Federico era feo, muy feo, pero tenía un gran magnetismo". Gracias a Flor se recuperó la auténtica versión de Yerma, con el final que Lorca quería, en donde Yerma mata a Juan de una dentellada en la yugular. Ese final, por lo visto, Lorca lo cambió por consejo o petición de su madre Doña Vicenta. Es un hecho que Lorca quedó tan fascinado por Cuba que fue por unos pocos días y se quedó durante unos meses. Estuvo un año fuera de España. Cuba le inspiró estas consideraciones: "El barco se aleja y comienzan a llegar, palma y canela, los perfumes de la América con raíces, la América de Dios, la América Española. ¿Pero qué es esto? ¿Otra vez España? ¿Otra vez la Andalucía mundial? Es el amarillo de Cádiz, con un grado más, el rosa de Sevilla, tirando a carmín, y el verde de Granada con una leve fosforescencia de pez". A su regreso se dedicó al Teatro Universitario. Con La Barraca trató de encontrar esos públicos populares que tanto le habían emocionado en las revistas negras que había podido ver en Harlem. En 1933 estrenó Bodas de sangre. Consiguió un éxito extraordinario. Se llegó a las treinta y ocho representaciones. Fue su primer éxito de taquilla y el comienzo de su libertad económica tan ansiada. Luego, viajó a Buenos Aires. Allí estrenó varias obras y dirigió La dama boba, de Lope de Vega. Tuvo éxitos enormes. Con motivo de las cien representaciones de Bodas de sangre en Buenos Aires, sus amigos le dieron un homenaje.

Los enigmas del asesinato de Lorca:

 Siguieron los éxitos en Madrid y Barcelona. El 13 de julio de 1936 viajó a Granada. Fue asesinado en Viznar, parece ser que el 19 de agosto. No se sabe dónde está enterrado. Se contó en 1995, en ocasión de los Premios Lorca, que llevaba un brazalete de oro. Quizá por esto se podría reconocer excavando en las fosas comunes. Pero como alguien de la familia dijo, quizá sea mejor no saber dónde están sus restos. Todo fue y sigue siendo demasiado doloroso. Se han dado diversas explicaciones, según las épocas, sobre la muerte de Lorca. Venganza de los guardias civiles, venganza de los homosexuales vergonzantes de Granada que no le perdonaban sus invectivas, ni su franqueza, desidia o delación de los hermanos Rosales. La mayoría de estas versiones con el tiempo se han ido derrumbando. La mayor injusticia se cometió con el gran poeta Luis Rosales, que tuvo un comportamiento modélico. Siempre calló para no decir quien fue realmente la persona que sin querer denunció dónde estaba escondido Federico que fue en casa de la familia falangista de los Rosales. Dulce María Loynaz siempre explicó la verdad y defendió a Rosales. Hubo demasiadas gentes y grupos interesados o cómplices de la muerte de Lorca. Posiblemente fue un alto crimen de Estado. Una eliminación fría y muy meditada desde las altas esferas del poder. Las últimas hipó- tesis y documentos van en ese sentido (Gibson, Bardem, José Antonio Rial...). En un artículo modélico y valiente, "El pensamiento de Federico" de Charles Marcilly, publicado en ABC, en ocasión del cincuenta aniversario de su asesinato, propuso un acercamiento a la ideología real de Federico que "constituye una denuncia ejemplar de los crímenes a la marginación. Marginación de la libertad de invención poética simbolizada por los gitanos del Romancero. Marginación de la fantasía juvenil y femenina en La zapatera prodigiosa.... Marginación patética, socialmente determinada, la de Doña Rosita la soltera... Marginación psicológica y fisiológica de la maternidad frustrada de Yerma... Marginación familiar de las hijas de Bernarda... Marginación colectiva, fruto amargo de la explotación económica y del racismo, la de los negros de Harlem en Poeta en Nueva York, en el ghetto de la música..." 65 En esta perspectiva contestataria general es como hay que interpretar la denuncia de la marginación más dolorosa y personal, la del amor homosexual que se confiesa en los poemas del Diwan del Tamal* y los Sonetos del amor oscuro, para llegar a su cumbre de libertad expresiva en la escenificación provocativa del "teatro imposible" sin representar. Esta actitud de protesta y acusación contra un orden moral, que resulta también un orden político, da pleno sentido a la participación de Federico en todas las manifestaciones antifascistas de los años treinta.

Quién era quién en el llamado Teatro Poético:

 Eduardo Marquina (1879-1946), representante del llamado Teatro Poético inspirado en temas históricos, co-dirigió con Federico García Lorca el estreno de Bodas de sangre. Fue un representante del autor para el star-system. Cuando Marquina estrenó con la Xirgu, La ermita, la fuente y el río, le sacaron en hombros a la calle. La gran actriz catalana le estrenó varias obras suyas y le hizo diversos encargos como Alimaña (1919), en el que dio un tipo complejo de mujer enferma con el que se lució la Xirgu. Realizó la adaptación de La niña de Gómez Arcos de Calderón de la Barca (1922), en la que la Xirgu fue Dorotea. Tradujo Los sabios no ven de Franlois de Curel, Fidelidad de Josep Maria de Sagarra y Elektra de Hugo von Hofmannsthal. García Lorca le entregó el manuscrito de Mariana Pineda para que lo diera a la Xirgu. Marquina se demoró, pero fue la gran cuentista cubana Lydia Cabrera quien agilizó el trámite. Ya el texto en su poder, Margarita Xirgu aconsejó el estreno, por lo que cuenta Rivas Cherif: "Ayer, después del gran éxito de La ermita, la fuente y el río se desbordó (él, no el río) en elogios a tu persona con Margarita Xirgu. No dejes, pues, de escribir a los tres (Xirgu, Margarita Nelken que también hizo de valedora y Marquina). Marquina afirmó que se cortaba la mano derecha si la obra no era un clamor en Hispanoamérica". Marquina, en colaboración con Hernández Catá escribió Don Luis Mejía, el hijo del diablo, estrenada en 1925, una curiosa variante del mito de Don Juan. Fuente escondida (1931), drama en verso, es considerada como una de sus obras más acabadas. El crítico Díez Canedo dijo que el personaje principal era el verso, un verso corto, octosilabo de romance o aconsonantados, y una escena de romancillo. Fue uno de los grandes triunfos de la Xirgu. Fue Marquina quien llevó el manuscrito de Bodas de sangre por voluntad de Federico a Josefina Díaz de Artigas. El no quiso, aconsejado por algunos amigos, que ella —Margarita— lo estrenara. La gran actriz tuvo un gran disgusto. En 1965, José Montero Alonso publicó Vida de Eduardo Marquina. José María Pemán (1898-1980), dramaturgo, conferenciante, poeta y articulista, en 1933 estrenó El divino impaciente, obra emblemática para la derecha española. Fue el mismo año del estreno de Bodas de sangre. Encontramos dos obras que simbolizan el enfrentamiento de las dos Españas. Cultivó el teatro histórico en verso, Cuando las Cortes de Cádiz (1934), Cisneros (1934), La Santa Virreina (1939). Esta obra fue ya el símbolo o norte de lo que debía ser el teatro del franquismo. El propio Pemán escribió en el programa. : "La gran lección de España fue aquella de sentarse / sobre las piedras milenarias y / las tumbas: y estarse allí consigo misma y Dios". Escribió, durante la Guerra Civil, una obra de propaganda, De ellos es el mundo con Fernando e Isabel de protagonistas. Fue uno de los representantes del teatro oficial y consiguió grandes éxitos como La casa (1946). A finales de los cincuenta pareció cansarse de tanta oficialidad y dio un curioso giro a su producción. Escribió dos excelentes obras, muy divertidas y con cierto sentido del descaro: Los tres etcéteras de Don Simón (1958) y La viudita naviera (1960). Luis Fernández Ardavín (1891-1962), autor prolífico y seguidor de la estética de Eduardo Marquina, cultivó el drama histórico en verso. De su producción destacan La dama del armiño (1927), Doña Diabla (1925) y La cantaora del puerto (1927). El crítico Díez Canedo comentó sobre su obra: "De puro espontáneo parece un improvisador. Improvisación en el desarrollo de los temas, en que, con algún estudio y reposo, evitaría lunares harto visibles".

Lorca y el Cante Jondo:

 Durante las fiestas del Corpus Christi, se organizó en Granada un "Concurso de Cante Jondo" subvencionado por el Exmo. Ayuntamiento de Granada y organizado por el Centro Artístico y Literario. Tuvo lugar la noche del 13 al 14 de junio de 1922 en la Placeta de San Nicolás del Albaycín (escrito con y, en el programa). Hubo sesiones de prueba eliminatoria los días 10, 11 y 12 anteriores. Se repartieron 8.500 pesetas en premios. De la mano de Manuel de Falla, Federico adquirió la mayoría de edad poética gracias a que el gran músico lo sumergió en un mundo hasta el momento apenas entrevisto, el mundo de la anti-retórica popular, de su intimidad pura y viva. Aquello que en Bodas de sangre se llamará la raíz del grito. Bajo el influjo del Concurso de Granada escribió el Poema del Cante Jondo. Algunos de los poemas fueron leídos por Federico en una manifestación que recogía los fondos para la Fiesta. En esa fiesta estuvieron Manuel Torres, El Niño de Jerez, y Don Antonio Chacón, el gran califa del cante. Estuvo en el jurado, junto al maestro Falla, el gran guitarrista Andrés Segovia. Bailó La Macarrona y los grandes gitanos del Sacromonte, La Gazpacha, La Cachucha, Frasquito el Hierbabuena, El Tenazas... Granada se llenó de ilustres visitantes. Fue el maestro Falla quien encargó a Federico la conferencia que dio el 19 de febrero de 1922 en el Centro Artístico de la ciudad. A Manuel Torres, Federico se lo volvió a encontrar, en Sevilla, en la casa de Pino Montano de Ignacio Sánchez Mejías. Federico se emocionó al ver entrar a Manuel Torres, el Niño de Jerez, al que había conocido en el Concurso de Granada. Torres cantó, "parecía un ronco animal herido, un terrible pozo de angustia", explicó Rafael Alberti. Alguien le preguntó: "¿De dónde sacas las palabras de tus cantos?", parece ser que les contestó que no sabía ni leer ni escribir.

Federico García Lorca, gran director teatral:

Es el momento de la recuperación del teatro imposible de Lorca, pero también es ahora el momento de afirmar que posiblemente él puso las bases de la moderna puesta en escena. Fue un creador teatral total. Los escasos documentos fílmicos que se conservan de alguna representación de La Barraca nos lo confirman. Es muy revelador que el gran historiador italiano Silvio D'Amico le quisiera hacer una entrevista y comentara: "Lo que realmente valga su Barraca aún no lo sé; pero si alguien debe ocuparse de él en la historia de la escena europea, y le llama a Gordon Craig, apóstol, a Stanislavski, maestro, a Reinhardt, mago, a Copeau, asceta, a Piscator, demonio o que sé yo, García Lorca, entre todos estos peces gordos, será el muchacho". Es curioso que lo compare con los grandes creadores teatrales del siglo xx, no con los autores. En Buenos Aires montó, con gran éxito, La dama boba para la. Compañía de Ana Franco. Colaboró en El amor brujo de Falla con La Argentinita, La Macarrona, La Malena y con La Fernanda en la Residencia, de Estudiantes. Dirigió su Bodas de sangre y toda la época de La Barraca, donde no sólo hizo de director y de formador de actores sino que ejerció de "dramaturgo" o adaptador crítico. Por ejemplo, en El caballero de Olmedo cortó las tres convencionales escenas finales, las de la venganza. Montó, asimismo, Fuenteovejuna interesándose sólo por la parte social, montando sólo sesenta escenas. El resto de los textos clásicos los dio siempre íntegros. Puso en marcha, con carácter parecido al de nuestros teatros independientes de los cincuenta, los Clubes teatrales. En el Anfistora, donde encontró a Pura Ucelay, intervino en los ensayos de Así que pasen cinco años, descubriendo a Germana Eygel, luego, Germaine Montero —que estrenó Madre Coraje en París con Jean Vilar—, Andrés Mejuto, Ana María Noé, Luis Arroyo —realizador cinematográfico en Dulcinea de Gaston Baty—, su hermana Ana Mariscal y Félix Navarro. Una de las máximas de Federico como director era la valoración del cuerpo humano: "Hay que presentar la fiesta del cuerpo desde la punta de los pies, en danza, hasta la punta de los cabellos, todo presidido por la mirada intérprete de lo que va por dentro". En el programa de televisión Derecho a discrepar, en 1988, Luis Rosales afirmó que Lorca fue un gran director: "El director que puso a punto la escena española".

El teatro en la época. Federico y la modernidad. Su lucha contra el teatro de su tiempo. El Teatro Imposible:

 Francisco Umbral, en uno de sus comentarios periodísticos, situó la verdadera aportación creadora de Federico García Lorca y cómo la entendemos en este final de siglo. Lo hizo un poco de pasada y en ocasión de la publicación de un último libro de Lorca Antología moderna. Umbral escribió: "Lorca utilizaba modelno burlándose de la pronunciación defectuosa de algún amigo, y la broma funcionó entre el grupo, pero fue eso, una broma de clase y minoría. García Posada (que es quien se encargó de editar los materiales-pastiche de Lorca) ha hecho aquí, como de costumbre, un trabajo intuitivo, preciso y precioso, levantando todo un andamiaje intelectual y sabio a partir de unos someros materiales inéditos del genio" ("Los placeres y los días", El Mundo, 23-12-1995). Umbral que es uno de los críticos literarios contemporá- neos más profundos no duda en calificar de genio al gran poeta andaluz. En 1995 se ha publicado Antología moderna y se ha podido ver la exposición de Dalí-Lorca Los putrefactos, en la Residencia de Estudiantes y en la Huerta de San Vicente en Granada. En estos últimos años se han ido publicando diversos materiales suyos que permanecían inéditos como Teatro iné- dito de juventud a cargo de Andrés Lorio Olmedo (1994) o su Teatro inconcluso que la Universidad de Granada dio a conocer en 1987. Por fin el teatro más arriesgado, el teatro surrealista o pre-lógico de Federico se representó adecuadamente en España (temporada 1985-86) y se ha asistido a una recuperación de esos textos admirables para los que el público español y también las gentes del teatro de su tiempo, no estaban preparados para entender y saber representar. Lorca, en esta parte de su producción, se adelantó más de medio siglo a su público, a la crítica al uso y a las gentes del teatro español. La aparición en ABC de Sonetos de amor oscuro —impropio, inadecuado título—, nos descubrieron otro poeta, otro Lorca. Un poeta dolorido y esencial que muy poco tenía que ver con los excesos neo-populistas de Romancero gitano. Podríamos hablar de dos Lorcas, de varios Lorcas, pero, sobre todo, del Lorca que publicó y se representó con éxito en vida del autor y el Lorca que quedó escondido. Esa poesía y ese teatro en el que Lorca hablaba desde su herida, desde su marginalidad, desde su homosexualidad. Hay una parte en la que se esconde su problema y otro en el que quiere aceptarlo y transcenderlo poéticamente. Ese Lorca que ahora recuperamos está, en relación a su nivel creativo y adultez expresiva, junto a creadores de la talla de Jean Genet, Rainer Werner Fassbinder y Pier Paolo Pasolini. Si realmente Lorca ha sido uno de los genios de este siglo xx, ha pagado muy caro haberse adelantado a su tiempo histórico, a la sensibilidad y a los gustos de su época. Hubo un intento desesperado por parte de Lorca de colocar al teatro español a la hora de la vanguardia europea. A finales de los años veinte y en la década de los años treinta, el teatro de vanguardia era el dadaísta, el surrealista, el futurista y el expresionista. En Alemania el expresionismo, en Italia y la URSS el futurismo. El dadaísmo, que había nacido en Suiza, se había ido internacionalizando. Cuando Lorca escribía Así que pasen cinco años, El público o Comedia sin título, estos textos eran contemporáneos de las grandes piezas vanguardistas de autores alemanes o franceses que representaban en aquellos años: Roger Vitrac, Raymond Roussel, Jean Cocteau y Georg Kaiser. Mandó uno de esos textos a su amiga y admiradora Margarita Xirgu y ella le dijo que no podía estrenarlo porque no lo entendía. Cuando leyó la obra El público, notó que el auditorio de "élite", el de sus propios amigos —los hermanos Loynaz en La Habana y sus próximos en Madrid— no le entendían. Por eso, cuando él mismo intentó estrenar Así que pasen cinco años, en la primavera de 1936 en el Club Teatral Anfistora, según testimonio de la gran actriz y gran directora cinematográfica Ana Mariscal que interpretaba el papel de maniquí, Lorca "quería que su Así que pasen cinco años la estrenásemos en el Teatro de La Latina, frente al Mercado de la Cebada; decía que estaba seguro de que las verduleras la entenderían mucho mejor que todos los cursis que se las daban de entendidos y eruditos. Eso se lo he oído decir yo. Y creo que tenía mucha razón. El lenguaje del arte no pasa por el conocimiento sino por las venas". Debió de ser muy doloroso para Federico esta incomprensión, esta no conexión con sus mejores amigos. Es revelador lo que cuenta Flor Loynaz: "De sus obras yo prefiero Yerma; y mi hermana Doña Rosita la soltera, pero El público nunca nos pareció interesante. Recuerdo que cuando nos leía un pasaje de la obra que decía "cuando pusieron la cabeza cortada sobre la mesa del despacho, la situación se hizo insostenible. Había necesidad de romper (...)", Carlos Manuel y yo rompimos a carcajadas, sin que a Federico pareciera importarle demasiado, porque continuó leyendo el manuscrito. En el fondo es muy posible que una carta de Dalí le diera la clave. Él había hecho un teatro y una poesía que era renovadora pero que nunca estaba a la hora europea. Conviene recordar que el teatro español era un páramo estéril de una zafiedad intelectual muy considerable. Poder imponer sus productos de teatro poético ya fue una proeza, pero Dalí sabía, y el propio Lorca también, que debía hacer un teatro y una poesía acorde con la pintura suya, la de Joan Miró, la poesía de J.V. Foix, la pintura de Maruja Mallo... Después de la publicación y del gran éxito de Romancero gitano, Dalí le mandó una carta donde le decía (la transcribimos respetando el original): "Me es imposible coincidir en nada a la opinión de los grandes puercos putrefactos que lo han comentado... El día que pierdas el miedo, te cagues en los Salinas, abandones la Rima, en fin el arte como se entiende entre los puercos, harás cosas divertidas, orripilantes, crispadas, poéticas como ningún poeta ha realizado... Te invito a lanzarnos en el vacío. Yo ya estoy en él desde hace dos días, nunca había tenido tanta seguridad". Dalí intuyó el problema y Lorca después de su experiencia americana decidió que debía crear desde planteamientos más arriesgados. Este teatro llamado imposible y que ahora ya se representa con normalidad en todos los mejores escenarios subvencionados y universitarios del mundo, incluso en su Granada natal, era con el que conseguiría su mayor y más alta aportación.

Lorca-Dalí y los putrefactos:

Los putrefactos fue un proyecto de Dalí y Lorca en el que colaboraron Pepín Bello, Luis Buñuel y Rafael Alberti. Los dibujos eran de Dalí, el texto que debía redactar Lorca parece que nunca llegó a ser escrito. Antonina Rodrigo, en su espléndido libro Lorca-Dalí. Una amistad traicionada, nos recuerda que la palabra significó todo lo caduco, lo muerto, lo anacrónico. Salvador y Federico popularizaron la palabra. Podía ser el equivalente del "carroza" actual. Sobre esta cuestión, Alberti escribió: "Dali cazaba putrefactos al vuelo, dibujándolos de diferentes maneras. Los había con bufandas, llenos de toses, solitarios en los bancos de los paseos. Los había con bastón, elegantes, flor en el ojal, acompañados por la bestia. Había un putrefacto académico y el que sin serlo lo era también. Los había de todos los géneros: masculinos, femeninos, neutros y epicenos. Y de todas las edades. El término llegó a aplicarse a todo: a la literatura, a la pintura, a la moda, a las cosas, a los objetos más variados, a cuanto olía a podrido, ya por aquellos días molestaba e impedía el claro avance de nuestra época. Azorín, por ejemplo, ya por aquellos días —cosa injusta— era para nosotros un putrefacto. Y no digamos nada de un Ricardo León, de un Emilio Carrere o de pintores como Benedito Eugenio Hermoso, Sotomayor... S.M. Alfonso XIII era también un putrefacto. Y el Papa". Luis Buñuel empleó la palabra en un documento histórico, una carta a León Sánchez Cuesta (10-2-1926): "Excuso decirle que en España hay campo virgen para un cineasta. Lo hasta ahora existente es tan putrefacto que aleja de la pantalla a cualquier hombre de sensibilidad"

 Federico García Lorca

(Fuente Vaqueros, España, 1898 - Víznar, id., 1936) Poeta y dramaturgo español. En el transcurso de la «Edad de Plata» (1900-1936), la literatura española recuperó aquel dinamismo innovador que parecía perdido desde su Siglo de Oro; tal periodo tuvo su culminación en la obra poética de la Generación del 27, así llamada por el rebelde homenaje que sus miembros rindieron a Luis de Góngora con motivo de su tercer centenario. Sin embargo, pese a la inmensa talla de figuras como Rafael Alberti, Pedro Salinas, Jorge Guillén, Gerardo Diego, Dámaso Alonso, Luis Cernuda o el premio Nobel Vicente Aleixandre, ningún miembro del grupo alcanzaría tanta proyección internacional como Federico García Lorca.

Los primeros años de la infancia del poeta transcurrieron en el ambiente rural de su pequeño pueblo granadino. Cursó el bachillerato primero en Almería y luego, tras una enfermedad, en Granada. Continuó sus estudios superiores en la Universidad de Granada: estudió filosofía y letras y se licenció en derecho. En la universidad hizo amistad con el prestigioso compositor Manuel de Falla, quien ejerció una gran influencia en él, transmitiéndole su amor por el folclore y lo popular.

En 1919 se instaló en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde conoció a Juan Ramón Jiménez y a Antonio Machado, y trabó amistad con poetas de su generación y artistas como el futuro cineasta Luis Buñuel o el pintor catalán Salvador Dalí. En este ambiente de ebullición cultural brillaría pronto el magnetismo de la arrolladora personalidad de Federico García Lorca, cuya perenne simpatía y vitalidad encubría un íntimo malestar que sólo su obra dejaría entrever. Sus polifacéticos intereses lo llevaron a dedicarse con pasión no sólo a la poesía, sino también a la música y al dibujo, y empezó a interesarse por el teatro, aunque su primera pieza teatral, El maleficio de la mariposa, fue un fracaso.

De la poesía pura al surrealismo

En 1921 publicó su primera obra en verso, Libro de poemas, con la cual, a pesar de acusar las influencias románticas y modernistas, consiguió llamar la atención. El reconocimiento y el éxito literario de Federico García Lorca llegó con la publicación, en 1927, del poemario Canciones y, sobre todo, con las aplaudidas y continuadas representaciones en Madrid del drama patriótico Mariana Pineda, basado en un suceso ocurrido casi cien años antes: bajo el exacerbado absolutismo de Fernando VII, Mariana Pineda había sido condenada a muerte por bordar en una bandera una inscripción liberal.

Federico García Lorca

Entre 1921 y 1924, al mismo tiempo que trabajaba en Canciones, García Lorca escribió una obra inspirada en el folclore andaluz, el Poema del cante jondo (publicado en 1931), un libro ya más unitario y madurado en el que se percibe claramente lo que será un rasgo característico de su poética: la identificación con lo popular y su posterior estilización culta. Tal orientación llegó a su plena madurez con el Romancero gitano (1928), que obtuvo un éxito inmediato. En el Romancero gitano se funden lo popular y lo culto para cantar al pueblo perseguido de los gitanos, personajes marginales marcados por un trágico destino. Formalmente, Lorca logró un lenguaje personal, inconfundible, cuya clave es la profunda asimilación por parte del poeta de los elementos y formas populares y su combinación con audaces metáforas y con una estilización propia de las exigencias de la «poesía pura», etiqueta que en sus inicios asumieron los miembros de su generación.

Tras este éxito, Lorca viajó a Nueva York, ciudad en la que residió como becario durante el curso 1929-1930. Las impresiones que la ciudad dejó en su ánimo se materializaron en Poeta en Nueva York (publicado póstumamente en 1940), un canto angustiante, con ecos de denuncia social, contra la civilización urbana y mecanizada. Las formas tradicionales y populares de sus anteriores poemarios dejan paso en esta obra a visiones apocalípticas, hechas de imágenes ilógicas y oníricas que entroncan con la corriente surrealista francesa, aunque siempre dentro de la personal poética de Lorca.

Lorca, dramaturgo

De nuevo en España, en 1932 Federico García Lorca fue nombrado director de La Barraca, compañía de teatro universitario que se proponía llevar a los pueblos de Castilla el teatro clásico del Siglo de Oro. Su interés por la escena, tanto en su vertiente creativa como de difusión, responde a una progresiva evolución hacia lo colectivo y a un afán por llegar de la forma más directa posible al pueblo. Así, los últimos años de su vida los consagró al teatro, aunque con reseñables excepciones: terminó en 1934 el Diván de Tamarit, libro de poemas inspirados en la poesía arabigoandaluza; llegó a publicar el Llanto por Ignacio Sánchez Mejías(1935), hermosa elegía dedicada a su amigo torero donde combina la tradición popular con imágenes de filiación surrealista, y los Seis poemas gallegos (1935), escritos en lengua gallega; y trabajó en diversos proyectos que quedaron en su mayor parte incompletos y que sólo póstumamente verían la luz, entre ellos los impresionantes Sonetos del amor oscuro, inconclusa colección de alta tensión erótica.

Federico García Lorca con la actriz Margarita Xirgu y
Cipriano Rivas en la presentación de Yerma (1934)

Fruto de esa mayor dedicación al teatro en los años finales son los tres grandes dramas rurales que constituyen la cima de su producción y que sitúan a Lorca entre los grandes dramaturgos europeos del periodo: Bodas de Sangre (1933), Yerma (1934) y La casa de Bernarda Alba(1936). Erigidas en piezas ineludibles del repertorio contemporáneo, todas ellas siguen siendo constantemente representadas en escenarios de todo el mundo; dentro del teatro de autoría española, sólo los esperpentos de Ramón del Valle-Inclán gozan de una posición semejante.

Yerma (1934), que se centra en el tema de la maternidad frustrada, es una verdadera tragedia al modo clásico, incluido el coro de lavanderas, con su corifeo que dialoga con la protagonista comentando la acción. Similar urdidura trágica hallamos en Bodas de Sangre (1933), donde un suceso real inspiró el drama de una novia que huye tras su boda con un antiguo novio (Leonardo). La huida llena de premoniciones, en la que la propia muerte aparece como personaje, presagia un final al que se viene aludiendo desde la primera escena y en el que ambos hombres se matarán, segando así la posibilidad de continuidad de la estirpe por ambas ramas y renovando la muerte del padre del novio a manos de la familia de Leonardo. De esta manera, la pasión y la autobúsqueda concluyen con la destrucción de todo el orden establecido.

La mejor creación lorquiana es La casa de Bernarda Alba (1936), obra en que la pasión por la vida de la joven Adela, encerrada en su casa junto con sus hermanas a causa del luto por su padre y oprimida bajo el yugo de una madre tiránica, estalla en una rebeldía que no teme a las últimas consecuencias; pero las ansias de libertad y amor de Adela se estrellarán igualmente contra el muro de incomprensión de su familia y de los usos sociales, concluyendo todo con su eliminación. Junto a la figura de la protagonista, destaca la serie de retratos femeninos que realiza el autor, desde la propia Bernarda hasta la vieja criada confidente de las hijas (La Poncia), la hermana poseída por los celos destructivos (Martirio) o la abuela enloquecida (María Josefa), que, en sus intervalos de lucidez, complementa descarnadamente la oposición de Adela a la tiranía de Bernarda.
La Poncia (Rosa María Sardá) y Bernarda (Nuria Espert) en
una representación moderna de La casa de Bernarda Alba

La casa de Bernarda Alba, considerada su obra maestra, fue también la última, ya que ese mismo año, al estallar la Guerra Civil española (1936-1939) que llevaría a la dictadura de Francisco Franco, fue detenido por las fuerzas franquistas y fusilado diez días más tarde, bajo acusaciones poco claras que señalaban hacia su papel de poeta, librepensador y personaje susceptible de alterar el «orden social». Su asesinato causó una honda conmoción internacional y convirtió al artista en el trágico símbolo de la brutal intolerancia del fascismo.

El español universal

En su evolución, la trayectoria de Lorca es parangonable a la de sus compañeros de generación (de la poesía pura y la experimentación vanguardista a la rehumanización y el compromiso social), e incluso la plena asimilación de lo popular, que constituye uno de sus rasgos más característicos, tiene su paralelo en Rafael Alberti. No obstante, tras la aparente variedad de géneros y estilos, la obra de Federico García Lorca presenta una marcada unidad temática. Tanto en el yo poético del Libro de poemas como en los personajes de su Romancero gitano o en los protagonistas de las grandes tragedias de su madurez (Yerma, Bodas de Sangre y La casa de Bernarda Alba), las ansias vitales se ven abocadas a una frustración causada por fuerzas hostiles, las cuales pueden mantenerse en un ámbito telúrico, simbolizando acaso las limitaciones inherentes a la condición humana, o bien objetivarse en un medio social que, lo mismo si es tradicional o tecnificado, acaba destruyendo toda tentativa de autorrealización.

Tal temática explica el alcance universal de una producción por lo demás firmemente enraizada en la tradición y el folclore español y andaluz, pero no el insoslayable dramatismo y la hipnótica e inexplicable fascinación que siguen suscitando sus mejores textos: examinar detenidamente el Romance sonámbulo o la escena final de Bodas de Sangre conduce únicamente a la evidencia de su genio. En este sentido resultan tan injustas las interpretaciones simplistas trazadas desde la homosexualidad del poeta como la supuesta sobrevaloración de la obra lorquiana por su condición de insigne víctima del fascismo; presagiada o no, su prematura muerte a los treinta y ocho años no hizo sino truncar un flujo de creaciones que en La casa de Bernarda Alba rozaba ya la perfección.

Biografía mas relevante:

1898-1913: Aprendió a leer y escribir con su madre. En septiembre de 1909 setrasladó a vivir a Granada y empezó sus estudios en el Colegio el Sagrado Corazón.

1915: Mientras estudió en Granada, hizo amistad con Melchor Fernández Almagro, Manuel Ángeles Ortiz, Antonio Gallego Burín, Ismael G. de la Serna y Juan Cristoba.

1916: Primera excursión universitaria: Baeza, Übeda, Córdoba y Ronda con el catedrático Martín Domínguez Berrueta. En Baeza (Jaén) conoce a Antonio Machado. En octubre-noviembre, segunda excursión a El Escorial, Ávila, Salamanca, Zamora, Santiago de Compostela, La Coruña, Lugo, León, Burgos y Segovia.

1922: Conferencia "El Cante Jondo" en el Centro Artístico de Granada. En junio se celebró el Concurso de Cante Jondo organizado por Manuel de Falla, Ignacio Zuloaga y Federico García Lorca.

1923: El 5 de enero, en su casa de Granada, primera representación de su Teatro de Cristobalico. Se licenció en Derecho por la Universidad de Granada. Primeros intentos como dibujante.

1924: Conoció al pintor Gregorio Prieto y éste le presentó a Rafael Alberti.

1925: Estancia en Cadaqués. Según Alberti fueron los días más felices en la vida de Federico.

1926: Leyó en Granada la conferencia Homenaje a Soto de Rojas (poeta granadino del siglo xvii).

1927: Participó en el homenaje a Luis de Góngora que se celebró en Sevilla con motivo del tricentenario de su muerte.

1929: En junio viajó a EEUU, antes pasó por París, Oxford y Londres. Se instaló en la Universidad de Columbia. Coincidió en Nueva York con Ángel del Río. Tras visitar Vermont y las montañas Catskills, volvió a Nueva York donde se encontró con Dámaso Alonso, León Felipe, Ignacio Sánchez Mejías, La Argentinita y José Antonio Rubio Sacristán.

1930: Viajó a Cuba. Visitó Cienfuegos, Caibarián, Pinar del Río, el Valle de Yumurí, Varadero y Viñales pero le impresionó y fascinó, especialmente, Santiago de Cuba. Conoció a Lezama Lima, Alejo Carpentier, Dulce María y Flor Loynaz y Juan Marine•).

1933: En verano se embarcó rumbo a América del Sur. Acompañó a Lola Membrives. Conoció a Pablo Neruda. Ambos realizaron un homenaje a Rubén Dario. mrommn 72

1934: Estancia en Montevideo, donde dio conferencias y asistió al homenaje al pintor Rafael Barradas.

1935: En septiembre Federico conoció en Santander a Silvio D'Amico, uno de los más grandes historiadores del Teatro.

1936: El 19 de agosto murió asesinado en Viznar (Granada). Enterrado en una fosa común, sus restos no han sido hallados.

Obra:

1917: Publicó en febrero en el Boletín Artístico de Granada un artículo en el que conmemoró el centenario del nacimiento de José Zorrilla.

1918: Publicó su primer libro Impresiones y paisajes. Lo dedicó a su maestro de música Domínguez Berrueta.

1921: Publicó Libro de poemas, su primer libro de poesía. Adolfo Salazar lo saludó calurosamente en el diario El Sol de Madrid.

1927: Publicó el libro Canciones en Litoral, en la editorial que dirigía Manuel Altoaguirre y Emilio Prados. Estrenó, con decorados de Salvador Dalí, Mariana Pineda en el Teatro Gaya de Barcelona. Exposición de dibujos en las Galerías Dalmau de Barcelona, organizada por el crítico de arte Sebastiá Gasch y otros amigos.

1928: Fundó con un grupo de amigos la revista Gallo. Aparecerían sólo dos números. Proyectó en Granada, con un gran escándalo, diapositivas de Joan Miró y Salvador Dalí.

1930: La Compañía de Margarita Xirgu estrenó "la versión de cámara" de La zapatera prodigiosa en el Teatro Español de Madrid.

1931: Publicó Poemas del Cante _fondo.

 1932: Fundó y dirigió, con Eduardo Ugarte, el Teatro Universitario La Barraca. La primera actuación fue en Burgo de Cisma.

1933: Estrenó Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín. La Compañia de Lola Membrives estrenó en Buenos Aires Bodas de Sangre, Mariana Pineda y La zapatera prodigiosa.

1934: En mayo regresó a España. En Madrid le ofrecieron un banquete. El 11 de agosto murió en Manzanares, cogido por un toro, Ignacio Sánchez Mejías.

1935: Leyó Llanto por Ignacio Sánchez Mejías con motivo de las cien representaciones de Yerma en el Teatro Español de Madrid. 73 Margarita Xirgu estrenó Doña Rosita o el lenguaje de las flores en Barcelona.

1936: Publicó Primeras canciones. Leyó el 21 de junio, en casa de los Condes de Yebes La casa de Bernarda Alba. La obra se estrenaría el 8 de marzo de 1945 en el Teatro Avenida de Buenos Aires por la Compañía Margarita Xirgu. En España se estrenó el 10 de enero de 1964 en el Teatro Goya con dirección de Jan Antonio Bardem y decorados de Antonio Saura. Fechas demasiado olvidadas. Primeros textos sobre Lorca. Estrenos primeros:

1936: Publicación de Bodas de sangre en la revista Cruz y Raya en Madrid.

1937: Los títeres de cachiporra bajo la dirección de Felipe Lluch Garín en el Teatro de la Zarzuela. Estreno de Bodas de sangre en Nueva York con dirección de Bitter Olander.

1938: Estreno de Naces de sang con dirección de Marcel Herrand en el Théatre de l'Atelier de París. Germaine Montero fue la novia. El novio fue André Roussin.

1945: En el número 3 de la revista Cuadernos de Teatro de Granada se publica un fragmento de Bodas de sangre y un artículo de Miguel Cruz Hernández titulado "La técnica dramática de Federico García Lorca".

1945: Estreno de La Casa de Bernarda Alba en el Teatro Avenida de Buenos Aires por la Compañía Margarita Xirgu (es el único acontecimiento que se valora).

1948: Yerma interpretada por Ana Mariscal en Barcelona.

1950 (primeros meses): Ana María Noé representa en Madrid Doña Rosita la soltera.

1950: Roberto G. Sánchez publica en Madrid García Lorca, estudio sobre su teatro.

1951: Eusebio García Luengo publica Revisión del teatro de Federico García Lorca en la Ed. Política y Literatura, Madrid.

1952: Ángel del Río publica Vida y obras de Federico García Lorca en Estudios Literarios de Zaragoza.

1957: Charles Marcilly publica en el número de enero de la revista Neowww.n 74 11n1.n Latines de París, "Enfin la verité sur Lorca" (Por fin la verdad

sobre Lorca).

1958: La Casa de Bernarda Alba se estrena en el Teatro Stanislavski de oscú con decorados y figurines de Alberto Sánchez.

1960: Francisco Olmos García publica en el número de mayo de la revista Neo-Latines de París, "García Lorca y el teatro clásico".

1962: Se estrena Bodas de sangre con dirección de José Tamayo y decorados de José Caballero, con Paquita Rico y Pepita Serrador. ABC habla de catástrofe.

1963: Bodas de sangre en el Teatro Barcelona por la Compañía de Maritza Caballero y dirección de Alberto Cavalcanti. Se presenta en Madrid en 1964. También en el Théátre Athenée de París. Posiblemente la mejor versión española de la obra.

1965: I protagonisti García Lorca por Rafael Alberti. Fascículo de la colección I protagonisti della Storia Universale. Roma.

1967: Gabriel Cacho publica Encontro com García Lorca na Casa de Alberti en la revista Vozes, n. 1, 1961.

Obra:

Poema del cante jondo (1921):

El Poema del cante jondo es una obra poética de Federico García Lorca, escrita en 1921 y publicada en 1931. La escritura de los poemas fue paralela a la preparación del Concurso de Cante Jondo de 1922 y refleja, en contraposición a las Suites(escritas entre 1921 y 1923) una nueva orientación del poeta¹​ en la búsqueda de lo esencial andaluz, orientación que tiene su origen en su relación con el compositor Manuel de Falla.²​

La visión de Lorca de la milenaria esencia andaluza es netamente trágica, "somos un pueblo triste, un pueblo estático"; el Amor y la Muerte, el Dolor y la Pena, forman parte del fondo común temático del libro.

Reflexión:

Hermoso libro del autor Federico García Lorca.

Resulta difícil elegir alguna de las partes que conforman Poema del cante jondo de Federico García Lorca: Baladilla de los tres ríos, Poema de la siguiriya gitana, Poema de la soleá, Poema de la saeta, Gráfico de la petenera, Dos muchachas, Viñetas flamencas, Tres ciudades, Seis caprichos, Escena del teniente coronel de la Guardia Civil, Diálogo del amargo… ¡Qué concentración de sabiduría, sensibilidad, habilidad y determinación artística!

Selecciono, por lo que de trágicamente profético tuvo, el poema Puñal: “El puñal / entra en el corazón, / como la reja del arado / en el yermo. / No. / No me lo claves. / No. / El puñal, / como un rayo de sol, incendia las terribles hondonadas. / No. / No me lo claves. / No”. Su lectura sigue sobrecogiendo casi un siglo después.

La edición de Poema del cante jondo de Federico García Lorca que manejo es la editada en Buenos Aires por la editorial Losada en 1944. El libro incluye el célebre Llanto por Ignacio Sánchez Mejías, otro tesoro imperdible y un caso bien distinto. Cuando Federico García Lorca lo pergeña en 1935 es ya una celebridad de las letras españolas; si se pudiera utilizar el calificativo “personaje popular” tan en boga a raíz de la consolidación de los medios de comunicación de masas, sin duda tal denominador le sería plenamente atribuible.

En este texto de menos de treinta estrofas se condensa todo el dolor del poeta ante el fallecimiento del torero sevillano que tanto supuso para la Generación del 27 y también todo su saber hacer y su absoluto dominio de los recursos líricos. Siempre quedarán en la memoria los versos iniciales de la composición: “A las cinco de la tarde. / Eran las cinco en punto de la tarde. / Un niño trajo la blanca sábana / a las cinco de la tarde. / Una espuerta de cal ya prevenida / a las cinco de la tarde. / Lo demás era muerte y sólo muerte / a las cinco de la tarde”.

Leamos Poema del cante jondo de Federico García Lorca; aunque únicamente sea para tratar de encontrar nuevas soluciones éticas a nuestros problemas cotidianos y para conseguir ser mejores personas.

ANEXO:

Biografia en video: https://www.youtube.com/watch?v=ZAfaklT_uZU

Poema del Cante Jondo en el Café de Chinitas de Federico García Lorca - Ballet Flamenco de Andalucía:

https://www.youtube.com/watch?v=Yu1uWAPbS4I